Лига искусствоведов

В эти знойные июльские выходные, когда Москва изнывает от жары, я решил посетить выставку, организованную выпускниками магистратуры факультета истории искусства РГГУ.

Экспозиция посвящена современному искусству и объединяет работы как молодых художников, так и уже известных далеко за пределами страны.

Выставка проходит в пространстве Центра творческих индустрий (ЦТИ) "Фабрика".

Это моя первая рецензия на площадке Пикабу, так что не судите строго.

Представляю вашему вниманию развернутую рецензию-дискурс на выставку "Жемчужность". Проанализируем её в трёх ключевых фазах: описание, анализ и оценка. Вход - свободный.

Что, где и когда?

Выставка проходит с 1 по 20 июля в индустриальном Актовом зале ЦТИ "Фабрика".

Возрастной ценз 16+

Авторский кураторский состав - магистранты направления "Кураторство художественных проектов" - отобрал более 40 работ от 35 художников со всей России.

Индустриальное, "сыроватое" пространство Актового зала сочетает бетонный пол и высокие потолки с природным светом и приглушённым искусственным освещением - отличная среда для контрастных чувств. Залы разделены на четыре зоны, каждая раскрывает тему "жемчужности" через разную эстетику и эмоциональный тон.

Что представлено?

Живопись, скульптура, графика, керамика, видеоарт, вышивка - мультимедийная плеяда техник

Некоторые работы созданы специально для этого проекта, что придаёт выставке уникальность и свежий импульс.

Жемчуг метафорически выступает как символ "бунтарской нежности" и "грань между драгоценным и мимолётным".

Эта двойственность заложена в смысловой структуре экспозиции и проживается через противопоставления текстур, форм и тем.

Пространственная драматургия вмещается в четырех залах выстроенных таким образом, что плавно перетекают друг в друга: от интимных камерных композиций до открытых звуково-видео инсталляций. Так, вышивка соседствует с агрессивной керамикой, а медитативное видео - с абстрактной графикой. Такой монтаж усиливает ощущение "путешествия внутри жемчужины", где эстетика и концепт взаимно трансформируют друг друга.

Провокации и новаторство - это не пустые слова. Работы, например, группы "Малышки 18:22", явно нацелены на вызов зрителю. Они ломают стереотипы о классическом пластическом жемчуге, вводя в игру элементы скандального, феминистского и регионального самовыражения. Это рискует, и это смело, и местами даже дерзко.

В этом ряду можно выделить картины Валерии Молочковой и Юлдус Бахтиозиной: символичные, наполненные откровенными сюжетами и противоречивыми эмоциями, они напрямую работают с темой человеческих тела - не как объекта, а как носителя уязвимости и силы, вызова, желания и стыда. В этих работах телесность становится языком напряжённого диалога между интимным и общественным, между травмой и исцелением. Это мощный художественный жест, выбивающийся за пределы привычного комфорта и вгоняющий зрителя в необходимое состояние рефлексии.

* Здесь должны быть представлены работы, но, дабы не нарушить возрастной ценз, публиковать их не буду. При желании сами всё увидите и поймёте, о чём идёт речь.

Какие сильные стороны?

Концептуальная целостность: символ жемчуга - связующий, но не ограничивающий элемент. Он раскрывается через множество медиа и авторских подходов.

Региональный и этнический мотив улавливаются во многих работах. Так, художники из разных уголков страны придают выставке широту и живую национальную палитру.

Смелое сочетание нежности и протеста особенно актуально сегодня, в эпоху реконфигурации идентичностей, когда зрителю предлагается меняться, перестраиваться, мимикрировать и открывать новые горизонты - в себе и в окружающем мире.

Архитектурное решение: индустриальный фон выставочного пространства создаёт баланс между аутентичностью и арт-контекстом.

Возможные вызовы?

Многослойность и изобилие форматов могут перегрузить одну зрительскую сессию, особенно для неподготовленного зрителя.

Итог

Как по мне "Жемчужность" - это точный кураторский эксперимент, в котором умело переформатировали универсальный символ в современный, полифонический арт-объект. Выставка вдохновляет - она одновременно нежная и дерзкая, камерная и эпичная, концептуально крепкая и чувственно откровенная. Заметные недоработки, указывающие на скромный бюджет, органично вписываются в пространство и формируют скорее атмосферу декаданса, чем ощущения халатности.

Вход на выставку свободный, и это отличная возможность испытать визуальное и эмоциональное погружение без барьеров.

В часы, когда кураторы отсутствуют и не могут дать более полную информацию о работах и авторах, можно воспользоваться QR-кодом с кратким описанием представленных объектов.

Валерий Иванович Ярош родился 2 марта 1940 года в Днепропетровске, в семье, пережившей эвакуацию во время Великой Отечественной войны. Его детство прошло в посёлке Возы Курской области, где ужасы войны соседствовали с первыми шагами в искусстве. Подаренная дядей коробка красок из Ленинграда зажгла в юном Валерии искру творчества, определив его жизненный путь.
После школы он поступил в железнодорожное училище, но мечта об искусстве привела его в армию, где он служил в Омске и публиковал первые рисунки в военных газетах, параллельно обучаясь в Московском заочном университете искусств. В 1969 году Ярош окончил художественно-графический факультет Ленинградского педагогического института им. А.И. Герцена, став дипломированным художником и педагогом.
В том же году, вместе с женой Валентиной, тоже художницей, он переехал в Кингисепп Ленинградской области, очарованный красотой Принаровья. В 1971 году Ярош основал Кингисеппскую детскую художественную школу, которую возглавлял до 2011 года. За 40 лет он воспитал сотни учеников, многие из которых стали профессиональными художниками, окончив Академию художеств и другие вузы.
Его педагогический подход, основанный на развитии художественного мышления, вдохновлял детей видеть красоту в каждом мгновении.

Как художник, Ярош работает в реалистическом стиле, создавая пейзажи, портреты и натюрморты, пронизанные светом и любовью к Принаровью. Его картины, такие как «Солнечный день» (1986), «Весенняя синева» (1984), «Зима в деревне» (1981), «Рябинушка» (1999), «Гончар Макар Фёдоров» (1974) и «Девушка у окна» (1995), отражают уникальную способность находить поэзию в повседневности.

Автор более пяти тысяч полотен, его работы хранятся в музеях, частных коллекциях и галереях России, Финляндии, Эстонии в американской галерее «Кристофер Джерард Коллекшн», в Италии и в других стран.

С 1970-х годов Ярош активно участвует в выставках: городских, областных, всероссийских и международных.
Его персональные выставки проходили в Кингисеппе, Санкт-Петербурге, Ивангороде, Тихвине, Йыхве (Эстония) и Райсио (Финляндия). Среди значимых событий — выставки в Доме художника (2021), зале «Квадрат» Союза художников (2021), а также к 90-летию Ленинградской области в Гатчине (2017). Его творчество отмечено наградами: звание лучшего портретиста на выставке «Салют Победы» (2011), дипломы I степени за картины «Сакуры» (2019), «Моё детство», «Сакура», «ПАМЯТЬ» (2020) и почётная грамота Союза художников России (2015) за вклад в искусство региона.

Народный художник России А.П. Левитин высоко оценил работы Яроша, отметив их «дыхание жизни» и «трепет живописного состояния». Его полотна, полные света и эмоций, вызывают игру воображения, погружая зрителей в мир Принаровья и Санкт-Петербурга, где он продолжает творить. Ярош — член творческой студии «Ямбуржецъ», созданной писателями Г.С. Чепиком и С.В. Смирновым, и активный участник культурной жизни региона.

В личной жизни Валерий Ярош — счастливый муж и отец двух дочерей, унаследовавших его любовь к искусству, и дедушка, чьи внуки также проявляют интерес к искусству.
Спортивный энтузиаст, он увлекается велоспортом и лыжами, находя в движении вдохновение для творчества.

Даже в 85 лет Ярош остаётся активным, продолжая создавать картины и преподавать, передавая свой опыт новым поколениям.