Советскую песню люблю и уважаю. И поэтому хочется привнести в нее какую-то свежесть. Потому как притупляется острота восприятия, когда поешь ее из года в год в классическом виде. А также новая стилистика и манера исполнения может найти нового слушателя, и тем самым у песни станет больше поклонников.

Что вы думаете? Нужно ли пытаться экспериментировать с классическими песнями? Будет ли это проявлением любви к ним или наоборот неуважением?

Лично у меня мнение двоякое. Смотря кто и как перепевает. Вот, например, у Валерия Сюткина есть проект Light Jazz, в рамках которого он выпускает советские песни в джазовой версии. Благодаря ему я открыл для себя новые песни. А есть, например, Олег Фриш, выпустивший сборник «Не хиты». Олег, живя в Штатах, перепел в джазовой стилистике советскую классику. Выглядит свежо и какие-то песни цепляют лучше оригиналов. Например, «По бульвару мрачно шел прохожий…» или Весна (Гюлли Чохели).

В этот день в 1966 году на сцену актового зала ЛМИ - Ленинградского ордена Красного Знамени механического института или попросту Военмеха - впервые вышел ансамбль "Поющие гитары".
Нет, не так: вокально-инструментальный ансамбль "Поющие гитары".
С этого дня в СССР началась эра ВИА.

Коллектив был основан гитаристом ансамбля "Дружба" Анатолием Васильевым. "Дружба" — это легендарный ансамбль Александра Броневицкого с которым выступала Эдита Пьеха.
С инструменталистами у нового ансамбля все было хорошо с самого начала, а вот вокалистом сначала вынужденно стал бас-гитарист Евгений Броневицкий, брат того самого. Одна из главных фишек коллектива: они одновременно пели и играли, в Союзе тогда это было совершенно не принято.

Ленконцерт оценил профессионализм музыкантов и готов был взять их под свое крыло — ансамбль получил официальный статус, то есть появились концертные ставки, зарплата. Но встал вопрос: как называть этот необычный для Союза коллектив. Вокальный ансамбль? Так они же еще и играют. Инструментальный? Так они же еще и поют. Тогда и назвали: вокально инструментальный ансамбль.

"Поющие гитары" дали образец того, как элементы рок - и поп-музыки могут быть использованы в аранжировках традиционного песенного материала. Коллектив создал универсальную формулу для тысяч советских ВИА, появившихся в конце 60-х и первой половине 70-х годов. Он был реально первым!

"Поющие гитары" быстро стали любимым коллективом Ленинграда, одним из его символов. А вслед за ним - всей страны. И - родоначальником жанра ВИА в СССР, который стал образцом и примером для многочисленных последователей и подражателей.

А что Москва?

В 1967 году в концертном зале гостиницы "Советская" состоялась долгожданная столичная премьера «Поющих гитар». На концерт собрались все, кто тогда руководил культурой в стране и Москве, — дирекция Москонцерта, начальство Управления культуры исполкома Моссовета и боссы обоих — российского и союзного — министерств культуры. В зале можно было увидеть многих известных эстрадных певцов и певиц — многим хотелось посмотреть на диковинный ансамбль, все участники которого одновременно поют и играют на музыкальных инструментах.
Успех "Поющих гитар" в Москве был феноменальным. В кулуарах Москонцерта начались разговоры о том, что Москве тоже нужен свой вокально-инструментальный ансамбль. Обратились к 23-х летнему второму дирижеру Московского Мюзик-холла, к тому же на гастролях он сопровождал Марка Бернеса в качестве пианиста и был музыкальным руководителем ансамбля Гелены Великановой. Многогранного таланта юношу звали Павел Слободкин — появились Веселые ребята. А дальше уже пошли ВИА Голубые гитары, Самоцветы, Норок, Поющие сердца, Песняры...

В "Поющих гитарах" начинали свой путь к звездам Ирина Понаровская, Юрий Антонов, Александр Розенбаум, Альберт Асадуллинин...

Их популярность в 1960-е в Союзе можно было сравнить с The Beatles, а на их профессиональный уровень смогли подняться разве что белорусские Песняры и грузинский Орэра, все остальные были как минимум на порядок ниже. Отдельных классных исполнителей было много (вспомним хотя бы Владислава Адрианова и Геннадия Белова), а вот в целом музыкальных коллективов такого уровня, увы...

Поющие гитары — Сумерки, 1969
Композитор Анатолий Васильев, слова Кима Рыжова
Солист Евгений Броневицкий

Русская история 20 века без либеральной цензуры - здесь уютно, иногда музыкально, но всегда немного грустно: хочется вернуться, а некуда

История создания песни не менее интересна, чем сама песня:

В конце 70-х и начале 80-х страну охватил бум создания фильмов об Отечественной войне. Фильмы пеклись как пирожки, но много не означает хорошо. Режиссёры Юрий Иванчук и Валерий Исаков начали снимать фильм "Приказ огонь не открывать" о противостоянии на Дальнем Востоке. Фильмов без музыки не бывает и они обратились к известному композитору Марку Минкову написать марш и лирическую песню, но по глупости или перестраховки не сказали ему в каких эпизодах будет эта музыка звучать.

Марш получился сразу, но песни не было. В ушах композитора только звучала фраза, которую постоянно повторяла его бабушка "Если б не было войны". Для написания текста он обратился к поэту, прошедшему фронт, Игорю Шаферану. Ему мелодия понравилась и стихотворение было готово быстро. Песня появилась. Нужен был исполнитель. Это была весна 1981 года. И авторы принесли песню Алле Пугачёвой. Она её петь отказалась из-за слов "Уже б ходили в школу наши внуки", сказав что народ будет её ассоциировать в соответствующем возрасте.

Режиссёры торопили и песня была предложена Жанне Рождественской. Тем более режиссёры сказали что песня будет звучать за кадром. Но в дело вмешался счастливый случай. Одновременно с записью песни Рождественской свою новую песню записывал Кобзон. Он прослушал и сказал: "И фильм и песня однодневки, но текст прекрасный" и посоветовал обратиться к "палочке-выручалочке" Валентине Толкуновой, которая спасла не одну песню, сделав из неё шедевр, как например "Серебряные свадьбы". Они это и сделали. Толкунова песню взяла.

И вот тут началась настоящая работа над песней. Причём всё шло параллельно со съёмками фильма. Валентина работала над вариантами песни почти полгода. Ей не нравилось что получался обыкновенный романс. Но романсу мешала главная строчка стиха. Первая строчка "Ещё до встречи вышла нам разлука". И тут её осенила мысль, что нужен марш символизирующий уход мальчишек на войну. Она сказала об этом композитору. Он загорелся и ответил, что марш уже есть в фильме. Соединить мелодии не составило большого труда. И теперь этот марш звучит в начале и в конце песни. Толкуновой стало легче. Но ей нужна была не просто песня, а мини-спектакль.
На помощь себе она позвала режиссёра Евгения Леговского, с которым она потом много работала. И всё что надо получилось. Получился крик из глубины души сотен тысяч женщин не обретших семью, не ощутивших радость Любви и материнства. Так песня звучит до сих пор. Посмотрите на её глаза и жесты, вслушайтесь в паузы.

Это не песня, это сама жизнь, непрожитая жизнь.

Взято отсюда: https://vk.com/wall-2467016_153178