Стиль Беллотто характеризовался тщательно продуманным изображением архитектурных и природных видов, а также особым качеством освещения каждого места.
Эрмитаж — не просто музей. Это настоящий культурный символ России и место, которое олицетворяет величие мировой истории искусства. Основанный более 250 лет назад, он стал одной из самых значимых культурных институций, привлекающей людей со всего мира. Каждый зал Эрмитажа хранит уникальные произведения искусства, которые являются важной частью мировой культуры. Этот музей рассказывает историю развития искусства и цивилизации через призму великих мастеров и эпох.
Давайте подробнее рассмотрим, как Эрмитаж стал тем культурным феноменом, которым мы знаем его сегодня.
История Эрмитажа начинается в XVIII веке, когда Екатерина Великая решила собрать коллекцию произведений искусства для личного наслаждения. Мудрое руководство императрицы и ее страсть к искусству сыграли ключевую роль в создании музея, который со временем стал центром мирового искусства.
Екатерина не только лично выбирала произведения для коллекции, но и активно сотрудничала с известными европейскими художниками и коллекционерами, что позволило собрать уникальные произведения, отражающие лучшие традиции разных культур.
В XIX веке коллекция Эрмитажа значительно расширилась, когда в ходе Наполеоновских войн Франция передала значительное количество произведений искусства России. Это позволило Эрмитажу стать одним из самых крупных музеев в Европе. Коллекции продолжали пополняться благодаря не только российским, но и международным коллекционерам и дарителям. Это придало Эрмитажу статус культурного хранилища мирового значения.
Переломный момент в истории музея произошел в 1852 году, когда Эрмитаж открыл свои двери для широкой публики. Это было революционным шагом, ведь многие великие музеи того времени оставались закрытыми для простых граждан.
Благодаря этому решению Эрмитаж стал доступен для людей всех слоев общества и стал не только культурным, но и образовательным центром, знакомя людей с историей искусства и культуры.
Сегодня Эрмитаж насчитывает более 3 миллионов экспонатов, среди которых находятся такие бессмертные произведения, как:
«Мадонна Литта» Леонардо да Винчи — великий шедевр эпохи Ренессанса, демонстрирующий безупречное мастерство художника.
«Венера Милосская» — идеальный образ античной скульптуры.
«Битва Александра Македонского с Дарем» — великолепный пример искусства Древнего Востока.
Эти произведения искусства стали не только ценными культурными артефактами, но и важными звеньями в цепочке мировой истории.
Музей активно использует современные технологии, чтобы сделать посещение Эрмитажа еще более увлекательным и доступным для всех. Мобильные приложения с интерактивными гидами позволяют посетителям исследовать коллекции музея в любое время, а виртуальные экскурсии дают возможность погрузиться в атмосферу музея, не выходя из дома. Также Эрмитаж активно использует мультимедийные технологии для создания интерактивных выставок, которые делают знакомство с произведениями искусства более доступным и увлекательным.
Эрмитаж также играет важную роль в поддержке международного культурного обмена. Сотрудничая с музеями по всему миру, Эрмитаж активно проводит выставки, обмен экспонатами и исследовательские проекты. Это способствует укреплению культурных связей и помогает музею оставаться на передовой мировой культурной сцены.
Эрмитаж продолжает вдохновлять миллионы людей по всему миру. Это место, где каждый может прикоснуться к вечному искусству, узнать что-то новое и открыть для себя многообразие культур.
Фолон родился 1 марта 1934 года в Брюсселе. В возрасте 21 года, бросив занятия архитектурой в бельгийском Институте Сен-Люк, он отправляется в Париж, чтобы посвятить себя истинной страсти, — живописи, а именно акварели, которая прославит его сначала в США, а потом и в Европе и во всём мире.
Его самые известные образы конечно же, «человек-птица» и знаменитая «шляпа Федора».
Первая выставка акварелей Фолона состоялась в нью-йоркской галерее Lefebre в 1969 году. Тогда же его работа под названием «Man by the calm sea at night» (Человек у спокойного ночного моря) появляется на обложке журнала The New Yorker.
Фолон также иллюстрирует книги знаменитых авторов, в частности Франца Кафки, Бориса Виана, Рэя Брэдбери, Ги де Мопассана, Альбера Камю, Герберта Уэллса и других.
Годом позже он уже выставляется в Токио, а вскоре и на площадках Европы — в миланской галерее II Milione и на XXV Венецианской биеннале. А в 1973 году вместе с другими бельгийскими художниками Фолон представляет родную страну на XII биеннале в Сан-Паулу, где получает Гран-при.
Фолон творил не одно десятилетие и посвящал себя не только акварели, но и другим техникам, включая офорт, шелкографию, мозаику и витраж, постоянно удивляя разнообразием своего художественного диапазона.
Признание в США в далёком 1969 году было только началом блистательного творческого пути художника. Вернувшись в Европу, Фолон некоторое время жил в Париже, а в 1983 году переехал в Монако, где провёл больше двадцати лет.
Фолон стал активно заниматься скульптурой в 1988 году по совету друга, известного скульптора Сезара, начал работать с деревом. Позже в качестве материалов он также использовал глину, гипс, бронзу и мрамор, а в 2002 году увлёкся ещё и керамикой.
Фолон создал несколько работ, которые сегодня можно увидеть на улицах Монако. Помимо Фонтана с птицами, установленного в 1994 году, это пять витражей в отеле (2005), «Человек-птица» на Boulevard des Moulins (1995), мозаика на центральном фасаде Часовни кармелитов (2002).
Стив Джобс, когда ему в голову пришла идея поселить в каждом из своих компьютеров смешного человечка, который будет выскакивать, махать ручкой и подмигивать пользователям, обратился именно к Фолону, и тот в 1983 году нарисовал для Apple Мистера Макинтоша в «шляпе федоре» и плаще-макинтоше.
Вот такой талантливый человек. 🤩
В телеграмме есть про его скульптуру. Заходите .
Он был человеком-праздником, одержимым солнцем, океаном и ритмом африканских барабанов. Карлос Паэс Виларо (1923–2014) — один из самых ярких художников Латинской Америки XX века, чьи работы взрываются красками, как карнавал в Монтевидео.
Художник в своей мастерской
Его стиль — это коктейль из африканских мотивов, латиноамериканского наива и европейского модернизма. Он обожал геометричные абстракции, напоминающие дома его любимого Пунта-дель-Эсте, солнечные жёлтые и синие тона, будто выжатые из карибского неба. А ритмичные узоры — след его страсти к музыке кандомбе (уругвайские афро-ритмы).
Часть фрески "Ceremonia del Col" в туннеле в Вашингтоне 1960 г.
Puerto Tigre
Карлос Паэс Виларо воплощал в своём творчестве торжество жизни даже перед лицом глубочайших трагедий. После чудовищной авиакатастрофы в Андах 1972 года, где его сын Карлитос оказался среди шестнадцати выживших, художник сумел преобразить пережитые боль и отчаяние в мощный творческий импульс. В этот период он создавал работы, где трагические переживания переплавлялись в символы стойкости и надежды, демонстрируя его удивительную способность находить свет даже в самых мрачных обстоятельствах.
Художник и его сын Карлитос после чудесного спасения 1972 г.
Его главный шедевр — не холст, а фантастический дом на скалах Пунта-Бальены (под Пунта-дель-Эсте). Это лабиринт из белых кубов, террас и башен, построенный им вручную за 40 лет.
«Я начал с одного окна, чтобы видеть закат. Потом добавил комнату для луны, потом — для солнца…»
Сегодня это музей-отель, где каждая комната — арт-объект.
Касапуэбло возник вокруг небольшого летнего домика художника в Пунта-Баллена, в 13 км от Пунта-дель-Эсте, Уругвай. По его словам, он строился без предварительного плана, постепенно, так, чтобы все окна и террасы были открыты на Атлантический океан.
Это была резиденция Паэса Виларо, который описывал ее как «жилую скульптуру», а теперь она переоборудована в четырехзвездочный отель с 20 номерами и 50 бунгало и одну из художественных достопримечательностей Уругвая.
Церемония солнца проводится на террасах музея на закате каждый день года с 1994 года.
Это очень эмоциональный момент, во время которого все замолкают и слышен только голос артиста, который в записи посвящает солнцу стихотворение, прощаясь с ним каждый вечер.
Ласточки и чайки, привлеченные музыкой, доносящейся с моря, завершают церемонию, пролетая над террасами музея, изумляя присутствующих, поскольку делают это в тот момент, когда солнце полностью скрывается за горизонтом.
Паэс Виларо обожал кошек. В последние годы его постоянным компаньоном был сиамский кот, которого он ласково называл «мой белый тенор» (кот часто «пел» ему по утрам). Художник шутил, что тот — единственный, кто понимает его абстракции.
Он говорил о кошках: «Это мои самые старые друзья, мои молчаливые друзья, которые эстетически развлекают меня, доставляют мне удовольствие. Иногда я спрашиваю их: «Вам нравится этот цвет?» Если они мне скажут «мяу», то я пойду дальше. А в другом интервью, рассказывая о своем распорядке дня в Касапуэбло, он также сказал: «Я встаю утром, завариваю себе чашку кофе, здороваюсь с кошками и начинаю работать».
Портрет художника с котом на фоне его работ
Виларо был самоучкой, его живопись питалась приключениями и трудностями. Черпая из ландшафта и различных культур все, что оказывало на него влияние, он по-своему запечатлел это в тысячах работ, обогащая свое творчество и сохраняя в себе мужество продолжать бороться на пути к искусству. Одной из его забот было сделать свои картины доступными для публики, создавая фрески в аэропортах, гостиницах, общественных зданиях и больницах.
"Живопись для меня — всё... Утром я встаю очень рано, завариваю себе кофе с молоком и, наклонившись, как велосипедист, с чистым холстом, сгорбившись, добавляю цвета, даже не зная, что именно буду рисовать... Когда я внезапно начинаю рисовать, если меня вдохновляет тема женщин, тема птиц в полёте, я даже не знаю, какие цвета буду добавлять, это точка вдохновения, которая связана, как ожерелье..." (с) Паэс Виларо.
Сайт музея с работами художника.
Искусство — не просто способ самовыражения, это часть нашей культуры, которая развивается с каждым поколением. В современном мире творчество стало доступным каждому, и не важно, создаете ли вы с помощью угля на каменной стене пещеры или рисуете на экране планшета.
В этом путешествии важно не только научиться рисовать, но и понять, как развивались те инструменты и техники, которые определяют нашу эпоху.
Один из самых древних видов художественного выражения — наскальные рисунки, которые сохранились до наших дней.
Эти произведения искусства были созданы около 40 000 лет назад и служили не только эстетическим целям, но и выполняли важные культурные и магические функции.
Наши предки использовали природные материалы — камни, уголь, и минеральные краски, такие как охра, марганец и оксид железа, чтобы передать свои идеи на каменных поверхностях.
Минеральные краски, благодаря своей яркости и долговечности, стали основным материалом для создания петроглифов. Эти краски не только красиво выглядели, но и служили практическим целям — например, их смешивали с животными жирами для улучшения стойкости или с водой для облегчения нанесения.
Так, даже тысячи лет назад люди использовали простые, но эффективные методы, которые сохранились до наших дней.
С развитием технологий искусство претерпело кардинальные изменения. Сегодня художники могут создавать свои произведения на графических планшетах, а традиционные краски заменены миллионами цифровых оттенков.
Современные приложения, такие как Procreate, Adobe Fresco и Krita, открывают неограниченные возможности для творчества.
Инструменты для рисования, текстуры и эффекты, доступные на экранах, позволяют художникам создавать как реалистичные, так и абстрактные композиции.
Цифровое искусство не только сделало творчество доступным для каждого, но и позволило наладить международное сообщество художников. Сегодня можно легко поделиться своими работами с миром, участвовать в конкурсах, обсуждать идеи и тенденции. Платформы для обмена и совместного обучения предоставляют огромные возможности для как начинающих, так и опытных мастеров.
Искусство, как путешествие, не имеет конца. От наскальных рисунков до цифровых инсталляций, творчество всегда было и будет двигаться вперед, отражая изменения в нашем обществе и технологиях.
Тогда вам срочно нужно сыграть в три простых игры на везение. За победу раздаем промокоды на заказ пиццы и других аппетитных блюд. Попробуете?
Будучи подростком Джованни Версаче помогал матери, которая работала в ателье. В 1972 году он уехал в поисках счастья в Милан, а в 1978 году уже открыл первый бутик своего имени.
Кристобаль Баленсиага Эйсагирре основал компанию в 1919 году и полностью перевернул мир женской одежды. Он создал такие знаковые вещи, как пальто-кокон, полуоблегающий костюм и платье с павлиньим хвостом. Одной из главных инноваций Кристобаля считают платья baby doll.
В нарядах Валентино Клементе Людовико Гаравани выходили замуж Жаклин Кеннеди-Онассис, Элизабет Тэйлор, Kортни Кокс, Дженнифер Лопес и Энн Хэтэуэй. Он открыл свой первый бутик в 1959 году.
Жан-Поль Готье не имея никакого художественного образования, нарисовал свою коллекцию и отправил её во все известные дома моды в Париже. Он произвёл впечатление на Пьера Кардена и в 1991 году открыл бренд своего имени.
Некто Кристиан Диор открыл дом моды своего имени, когда ему было уже за 50. Многие сомневались, что в таком возрасте можно добиться успеха в мире молодых и амбициозных. Он доказал, что успеху плевать на возраст.
Примерно та же история была и у Нины Риччи - она выпустила свою первую коллекцию, когда ей было 49 лет. Что интересно, она не делала никаких эскизов, она набрасывала ткань на манекен и с помощью булавок и ножниц создавала шедевры, благодаря отменному вкусу и чутью.
Пако Рабан был не только всемирно известным модельером и основателем дома высокой моды, но и писал книги. За свою жизнь он выпустил 8 книг, каждая из которых стала бестселлером.
Гуччио Гуччи работал в отеле, где проводила время знать того времени. Там он "нахватался" и пополнил список модельеров, которые вошли в этот бизнес уже в возрасте. В 1921 году ему было уже за 40 и впереди у него была мировая слава и признание именитых коллег.
Джорджо Армани для Италии гораздо больше чем известный модельер и основатель бренда - он разработал униформу для полиции, одежду для миланских водителей такси и даже изменил дизайн обложки Евангелия для Папы Римского. (На фото он).
