polchasika

Стриптиз империя.

Его путь начался далеко от роскоши: в 1942 году в шахтёрском Кентукки родился мальчишка, который рано лишился сестры, пережил развод родителей и к 15 годам по поддельным документам сбежал в армию.

Из армии Ларри уволился в 1964 году, когда появился риск отправиться во Вьетнам. Скопленные за службу деньги 22-летний Ларри потратил на открытие бара Kit Kat в Дейтоне, штат Огайо. У Флинта были хорошие организационные способности, и бар был успешен. Он открыл ещё несколько заведений. В 1969 году Ларри запустил сеть стриптиз-баров Hustler Club. За несколько лет сеть выросла до 9 заведений.

На подиуме одного из клубов он познакомился со вторым главным героем фильма и своей жизни. Впервые Алтея пришла на кастинг в 17, и её не приняли. Но, достигнув совершеннолетия, она вернулась и появилась у шеста, где её заметил Флинт.

Алтея была из семьи алкоголиков. Когда ей было 8, отец убил её мать, дедушку, друга семьи и соседа. Она с братьями и сёстрами отправилась в приют. Оттуда её несколько раз брали в приёмные семьи, где она сталкивалась с сексуальным насилием и сбегала обратно.

Алтея была талантливой девушкой и не ограничивалась танцами в клубе и отношениями с Флинтом. Она быстро стала частью управляющей команды с Ларри и его братом Джимми.

Как появился журнал Hustler?

Однажды Ларри заметил под дворником на лобовом стекле брошюру с рекламой проституток и решил аналогично продвигать свои клубы, выпуская небольшие буклеты с фотографиями танцовщиц. Какое-то время он так и существовал в виде буклета на несколько страниц, пока в 1973 году кризис не подкосил стриптиз-империю Флинта. Тогда он решил сконцентрироваться на выпуске полноценного журнала.

На тот момент уже были популярны такие издания, как Playboy или Penthouse, но, несмотря на то, что в них были эротические фотографии, они старались выглядеть лайфстайл-журналами со статьями о мужских увлечениях. Hustler же сделал акцент на очень откровенных фотографиях.

Помимо обнажённых тел в журнале публиковались провокационные комиксы и карикатуры, зачастую демонстрирующие сцены насилия. Одной из идеологий журнала была демонстрация табу и вскрытие фетишей.

Также Флинт использовал журнал как площадку для выражения под видом сатиры личного мнения относительно знаменитостей, политиков и религиозных деятелей. В Hustler регулярно появлялись репортажи вроде «Секс-вечеринки в Белом доме», «Грязные секреты вашингтонских стажёрок».

По-настоящему громко журнал заявил о себе в 1975 году, выложив обнажённые фотографии Жаклин Кеннеди, бывшей первой леди США. Флинт купил их у папарацци за 18 тысяч долларов. Даже Хью Хефнер отказался их покупать. Этот номер Hustler стал первым, который перевалил за 1 миллион проданных экземпляров.

Начиная с 1975 года Флинт стал постоянным участником судебных разбирательств. Ларри был вовлечён более чем в 200 различных судебных дел, касающихся содержания публикаций его журнала.

В 1976 году Ларри Флинт женился на Алтее Лизер. Стоит отметить, что Ларри был сторонником свободных сексуальных отношений и не скрывал связи с танцовщицами своих клубов и моделями журнала. Алтея разделяла эту позицию, поэтому брак не должен был сильно сковать их в вопросе сексуальных утех.

Суд как главная сцена

В 1976 году состоялось первое судебное заседание с участием Ларри Флинта. Он проиграл активисту-консерватору Чарльзу Китингу в деле об организации преступной группировки с целью распространения непристойных материалов, но ограничился денежным штрафом.

Годом позже состоялось дело «Флинт против штата Джорджия», в котором ему вынесли суровый приговор в 25 лет заключения. Он провёл 6 дней в тюрьме, после чего был освобождён под залог.

Чтобы понять масштаб фигуры Ларри Флинта, надо знать о том, что происходило на его судебных заседаниях. Он приходил в суд не для того, чтобы отбиться от очередного иска и спокойно работать дальше. Он использовал суд как трибуну. Все обвинения в свой адрес он расценивал как элементы репрессивной системы и неуважение его права на свободу слова. Поэтому он относился к суду и всему процессу с максимальным неуважением и позволял себе различные выходки и провокационные речи.

Он появлялся в зале суда в футболке с надписью "Fuck this court", нередко позволял себе нецензурные высказывания в адрес судей, называл их "фашистами" и "идиотами", заявляя, что они представляют систему, которая подавляет свободу слова и демократию.

Настаивая на свободе слова, Флинт однажды заявил в суде, что занимается "порнографией свободы" — подчёркивая, что он не просто публикует откровенные материалы, а борется за право выражать себя и защищать право других людей на выражение. Это утверждение стало чем-то вроде лозунга и укрепило его имидж как защитника демократии.

Все его выходки широко освещались в СМИ и активно обсуждались общественностью, делая Ларри заметной фигурой в масштабах всей страны.

Покушение

В 1978 году в одном из выпусков Hustler была напечатана фотосессия, демонстрирующая связь белой девушки с темнокожим мужчиной. Этот номер попался на глаза расисту и члену Ku Klux Klan Джозефу Франклину.

В марте 1978 года, когда Ларри Флинт вышел из здания суда после очередного заседания по делу о непристойности, Джозеф Франклин двумя выстрелами из винтовки ранил Ларри Флинта в область таза и одним выстрелом задел его адвоката Джина Ривза.

В результате нападения Ларри оказался парализован ниже пояса, включая утрату физической возможности заниматься сексом, хотя, как он позже говорил, это не отняло у него интерес к сексуальности и близости.

Стрелка поймали не сразу. Джозефа Франклина задержали за другие преступления — он оказался серийным убийцей с более чем 20 жертвами. Уже находясь в тюрьме, он признался в том, что именно он стрелял в Ларри. За свои преступления Франклин был приговорён к смертной казни. Любопытно, что Флинт выступал за его помилование и замену приговора на пожизненное заключение. Он говорил:

Конечно, я желаю ему смерти. Закройте нас в комнате, и я сделаю с ним то же, что он со мной. Просто, я считаю, что государство не должно участвовать в убийствах людей…

Ларри испытывал сильные физические боли и находился в тяжёлой депрессии. Он прибегал к обезболивающим, алкоголю и наркотикам. Надолго он потерял интерес и к бизнесу, и к борьбе за права. Все это время журналом и остальным бизнесом фактически управляла Алтея. Она и сама снималась для Hustler и своим образом жизни во многом олицетворяла его дух.

Примерно 2 года ушло у Флинта на восстановление. С 1980 года он вернулся к работе и возобновил свои громкие заявления и активизм.

Флинт против преподобного.

В 1983 году в журнале Hustler появилась маленькая, но, возможно, самая важная публикация. Это была пародия на рекламу алкоголя, где звёзды делились своими историями про первый раз. Реклама как бы намекала на первый сексуальный опыт, но в конце выяснялось, что речь шла про день, когда они впервые попробовали напиток. В пародии Hustler рекламу переиграли буквально и написали выдуманный монолог от лица Джерри Фалвелла — известного на всю страну проповедника и телеведущего. В этом вымышленном монологе он рассказывал об инцесте со своей матерью. При этом внизу была приписка мелким шрифтом, что это является шуткой и выдумкой.

Фалвелл подал на Ларри в суд по делу о клевете и защите чести, запросив компенсацию в 45 миллионов долларов. Флинта оправдали по статье о клевете, но обязали выплатить компенсацию в 150 тысяч долларов за моральный ущерб. На тот момент результат суда можно было считать победой для Ларри, но к этому делу он ещё вернётся.

Ещё одним заметным делом, которое также было довольно правдиво описано в фильме, стал случай, когда Ларри опубликовал следственную запись со скрытой камеры, на которой сотрудник ФБР участвовал в передаче наркотиков. Публикация вызвала большой общественный резонанс, поскольку Ларри Флинт тем самым поставил под сомнение моральные устои сотрудников правоохранительных органов.

Флинт объяснял, что решил обнародовать запись для того, чтобы осветить двуличие и коррупцию в силовых структурах. После публикации ФБР немедленно начало расследование, чтобы выяснить, каким образом Флинт получил видеозапись. Ларри был вызван в суд, где от него потребовали раскрыть личность информатора, который предоставил ему видео.

Флинт решительно отказался назвать источник, аргументируя это правом журналистов на защиту своих информаторов. Он считал, что разглашение имени источника противоречило бы свободе прессы и подорвало доверие к журналистам, поскольку в будущем информаторы могли бы опасаться последствий и утратить уверенность в конфиденциальности. Для Флинта этот случай был не просто правовым конфликтом, а принципиальным вопросом в своей борьбе за права СМИ.

Именно во время этого процесса Ларри устроил свои самые знаменитые перформансы, появившись в суде в подгузниках в виде американского флага и в военной каске. В результате, за неуважение к суду, Флинту грозил тюремный срок. Он был готов к заключению и не изменил своей позиции даже под угрозой судебного преследования. Хотя Флинт не был заключён в тюрьму на длительный срок, его готовность пойти на всё ради принципов сделала его ещё более заметной фигурой в борьбе за свободу слова и независимость СМИ.

Потеря Алтеи

Алтея пристрастилась к обезболивающим, которые Ларри выписывал врач. Вдобавок у неё обнаружили ВИЧ. Но она заразилась не от беспорядочных половых связей, как можно было бы подумать, а во время медицинской процедуры. Страшный диагноз усугубил её отношения с наркотиками. На тот момент практически отсутствовали варианты поддерживающей терапии, поэтому диагноз фактически был приговором. И Алтея решила ни в чём себе не отказывать в отведённое ей время.

Состояние ухудшалось очень быстро. В 1987 году она уже едва ходила. Но убил её не СПИД, а передозировка.

Смерть Алтеи была ужасным ударом для Ларри, но также мобилизовала его. Он потерял здоровье, потерял любимую женщину. Всё, что у него осталось — это бизнес и его борьба за свободу слова.

Верховный суд

К этому моменту апелляция Ларри по делу Фалвелла прошла несколько инстанций и дошла до Верховного суда. На этот раз его адвокатом был Алан Айзекман. Несмотря на тяжёлое состояние после потери жены, Ларри снова выступил в суде, утверждая, что действовал в рамках закона, согласно Первой поправке Конституции США о свободе слова. Верховный суд встал на сторону Флинта, согласившись, что Фалвелл не имел права преследовать Hustler и Флинта за сатирический материал. Свою главную победу Ларри прокомментировал знаменитой фразой:

Если Первая поправка защищает такой мешок с дерьмом, как я, то она защитит и вас. Потому что я — хуже некуда.

Кстати, после суда Ларри сдружился с проповедником.

Жизнь после выхода фильма

В 1996 году на экраны вышел фильм The People vs. Larry Flynt. После премьеры фильма, в котором, кстати, сам Флинт сыграл самого несговорчивого судью, известная фем-активистка Глория Стайнем опубликовала в The New York Times заметку со словами: «Изготовитель порнографии — герой не более, чем издатель книг о Ku Klux Klan или создатель сайта о нацизме, что бы там ни говорила Первая поправка о свободе слова».

Родная дочь Флинта Тоня даже организовала кампанию против проката фильма, обвинив отца в своих многочисленных ментальных проблемах.

Меня расстраивает этот фильм, потому что он поддерживает позицию отца, уверенного в том, что порно никого не ранит. Хотите увидеть жертву порнографии — посмотрите на меня.

В 1990-е и 2000-е годы Ларри расширил свой бизнес, открыв несколько казино. Он также развивал свою секс-империю, открывая магазины для взрослых и запуская телеканал.

В начале 2000-х между Ларри и его братом Джимми начались серьёзные разногласия, которые переросли в юридический конфликт. Джимми был вынужден покинуть компанию, но сохранил карьеру в индустрии развлечений для взрослых и пытался создать собственные проекты, хотя они не достигли успеха Hustler.

Флинт продолжал задевать знаменитостей и правительство. В течение 1990-х годов он неоднократно сталкивался с исками от частных лиц и знаменитостей, утверждавших, что их изображения и личные данные использовались в журнале Hustler без их согласия. Эти дела редко доходили до суда и часто решались досудебными соглашениями.

В 1998 году он выложил $85,000 за рекламу в The Washington Post, обещая $1,000,000 женщинам, которые расскажут в Hustler о сексе вне брака с членами Конгресса. Откликнулись четыре женщины, чьи признания стоили кресла сенатору Бобу Ливингстону.

В 2000 году Флинт подал иск против правительства США за ограничение доступа к информации. Он требовал права публиковать фотографии военнослужащих, получивших увечья в ходе военных действий, заявляя, что ограничение нарушает свободу прессы. Дело не было выиграно, но вызвало широкие дискуссии о границах свободы слова.

После первого избрания Дональда Трампа Флинт предложил $10,000,000 за информацию, которая обеспечит его импичмент. «Зачем я так партизаню? Да я просто хочу повеселиться и спустить немного денег», — говорил король XXX.

Как и всегда, он выступал за однополые браки, легализацию проституции и тотальную свободу слова — даже если это самое слово никому не нравилось, даже ему самому.

В 1998 году Ларри женился в пятый раз на Элизабет Берд. Их брак продолжался до его смерти.

10 февраля 2021 года Ларри Флинт умер в Лос-Анджелесе в возрасте 78 лет от сердечной недостаточности.

Он запомнился многим как одиозная личность, но вошёл в историю как один из самых ярких и успешных борцов за свободу слова.

Этот текст является пересказом нашего видеоролика. Посмотреть его и другие интересные истории можно по ссылкам:
Youtube
ВК

Это текстовая версия видео, поэтому если вам удобнее смотреть, то можно перейти на ютуб.

Всё началось в 1938 году, по одной из версий, конечно, когда в эфир вышла радиопередача Орсона Уэллса «Война миров»

*Орсон Уэллс – знаменитый американский режиссёр, актёр и сценарист. Известные работы «Гражданин Кейн», «Процесс», «Леди из Шанхая».

Постановка «Война миров» вышла в эфире радио CBS, была основана на одноименном романе Герберта Уэллса и рассказывала про вторжение на Землю инопланетян. И этот рассказ, который преподносили в виде документального, был настолько реалистичен, что многие слушатели поверили в происходящее.

Как потом сообщалось, постановку слушали около 6 миллионов человек, и примерно пятая часть из них приняла её за реальные новостные репортажи.

Многие либо не слышали начало программы с предупреждением о вымышленности событий (в это время часть слушателей переключилась на радиоволну, где шли новости часа), либо забыли про это предупреждение в процессе прослушивания.

Что же случилось? Люди начали паниковать! Многие баррикадировались в своих домах с оружием в руках, другие пытались уехать подальше от городов, третьи приходили в полицейские участки с желанием помочь отбиться от инопланетных захватчиков.

Телефонные линии оказались забиты, в Нью-Джерси была мобилизована Национальная гвардия и пожарные бригады.

Этому всему ещё поспособствовало, что у передачи не было рекламного спонсора, поэтому вещание велось беспрерывно, что тоже придавало происходящему соответствующий антураж.

Люди утверждали, что видели молниеобразные залпы пришельцев и слышали запах отравляющих газов. Паника разрасталась! Кульминацией стал выход из строя электростанции в городке Конкрет в штате Вашингтон; жители Конкрета не сомневались, что линии электропередачи уничтожены наступающими марсианами.

В итоге всё закончилось, как обычно заканчиваются такие ситуации в США – исками с требованиями о компенсации морального вреда. Все они были отклонены кроме одного, на удовлетворении которого настоял сам Орсон Уэллс – иск подал мужчина, который испортил свои новые туфли, убегая от марсиан.

По современной версии считается, что информация о панике чрезмерно преувеличена. Её раздували газеты, как пример курьеза, но сейчас сложно понять, как всё было на самом деле, но вот, что легко можно оценить, так это важность этой радиопостановки для мокьюментари.

Так что же это такое – мокьюментари?

Всё просто. Название мокьюментари происходит от английских слов — «mock» — издеваться или насмехаться и «documentary» — документальный фильм. И получается жанр, который сочетает элементы комедии и псведодокументалистики. Основной чертой мокьюментари является то, что события, показанные в фильме, представлены как реальные, но на деле являются вымышленными. Этот жанр позволяет режиссерам пародировать документальные фильмы, создавая сатирическое изображение жизни, искусства или каких-то общественных явлений.

В этом отличие от псевдодокументального кино, которое тоже стилизовано под документальную съемку, но не будет сатирическим или смешным.

Принято считать, что одним из первых, кто воплотил жанр в жизнь, был Орсон Уэллс и его «Война миров».

А вот другой пример, тоже ранний, и тоже важный для истории мокьюментари и опять же сыгравший со зрителями шутку, но в этот раз не такую злую, я бы сказал даже милую. Это были спагетти.

Если в «Войне миров» было больше псевдодокументалистики, но без насмешки, то розыгрыш, который провел канал BBC над своими зрителями, можно назвать первым полноценным мокьюментари. Правда, в короткометражном формате.

Авторы программы Panorama на BBC, а это была уважаемая серьёзная передача про текущие мировые новости, сделали неожиданный розыгрыш. Наверное, неожиданность и сыграла важную роль в том, что многие поверили этому псевдоновостному сюжету.

В этом выпуске популярный ведущий, который обычно рассказывал про политические и другие важные мировые события, выступил закадровым рассказчиком к видео, в котором показывали юг Швейцарии.

Зрителю рассказывали, что из-за мягкой зимы под угрозой оказался урожай спагетти, которые растут на деревьях. Но погодные сложности миновали и теперь начался сбор урожая.

Как вы видите, визуал соответствовал закадровому тексту, и актёры снимали свежие «спагетти-плоды» с деревьев.

И зрители поверили. Конечно, не все, но многие.

Здесь нужно сделать важную ремарку. В пятидесятые годы спагетти были экзотическим блюдом, почти деликатесом для англичан, видели они его в основном в консервированном виде с томатным соусом, поэтому им можно простить такую доверчивость.

На следующий день после эфира обрывали телефон уже канала BBC с вопросом, как можно вырастить спагетти в домашних условиях.

Эта мистификация стала одной из самых известных телевизионных шуток и вошла в историю как пример удачного первоапрельского розыгрыша. И это же ещё один примеров того, что породило современный мокьюментари.

Вот мы и подобрались к одному из первых полнометражных фильмов мокьюментари. Может сам жанр раскрылся в нём пока не на максимум, но уже совсем близко.

И фильм про Битлз!

Он называется «Вечер трудного дня» или в оригинале A Hard Day's Night. По сюжету группа отправляется из Ливерпуля в Лондон, чтобы на следующий день выступить на телевидении. По пути с ними происходят разные забавные ситуации, основой для которых стала популярность битлов и дедушка Пола Маккартни – Джон, отправившийся в путь вместе с ними.

В фильме, конечно, снялись сами участники группы, но вот все действие происходит по сценарию. Его написал Алан Оуэн, сценарист, не хватавший звезд с неба, но он был знакомым группы, поэтому выбрали именно его.

Пара любопытных фактов о фильме: во время съемок Джордж Харрисон познакомился со своей будущей женой. В фильме она играла одну из школьниц в поезде.

А среди зрителей шоу можно увидеть тринадцатилетнего Фила Коллинза, знаменитого британского музыканта. И отца актрисы Лили Коллинз.

«Вечер трудного дня» стал предтечей для другого фильма, связанного с музыкой, причем того, после которого появилось слово «мокьюментари».

«Это – Spinal Tap» Роба Райнера.

Тоже фильм про музыкальную группу, но в этот раз вымышленную, и группа называется Spinal Tap. В фильме показаны несколько месяцев жизни группы, которая отправляется в своё прощальное турне по США. Когда-то успешный британский рок-коллектив, но находящийся на закате своей славы.

И фильм снят в жанре мокьюментари. Теперь так можно сказать официально, потому что именно режиссёр Роб Райнер, чтобы как-то охарактеризовать фильм, который он снимает, придумал это самое слово - мокьюментари.

Немного забавно, что стилизация под документалку сыграло с фильмом злую шутку – после премьеры он не стал очень популярным именно из-за того, что многие зрители не поняли, что происходящее в фильме вымысел и смотрели его, как настоящее документальное кино.

Свою славу фильм получил уже после выхода на видеокассетах, обзавелся огромной армией фанатов и даже стал культовым.

Кстати, группа Spinal Tap появилась за пять лет до выхода фильма. Первое появление этой вымышленной рок-группы просто было на телевидении в комедийном шоу «The T.V. Show» на канале ABC.

А вот уже после самого фильма группа стала самой, что ни на есть настоящей. Они выступали с концертами, в 2009 году даже съездили в небольшой тур по Америке, давали представление на фестивале Гластонберри в Англии и даже зарядили концерт на Уэмбли в Лондоне.

Фильм Роба Райнера не только ввёл в обиход термин «мокьюментари», но и оказал влияние на развитие жанра.

И небольшая приятная новость для фанатов фильма – в этом году начались съемки «Это – Spinal Tap 2». Так что, как знать, может Роб Райнер удивит нас и опять придумает новый жанр.

Перед тем, как перейти к современным примерам, хочу рассказать ещё о Вуди Аллене, который тоже внёс свою лепту в мокьюментари.

Так вот. У него есть сразу несколько фильмов, которые повлияли на наш жанр.

И первый из тех трёх, которые я хочу упомянуть, вышел аж в 1969 году.

«Хватай деньги и беги» – криминальная комедия про Вергилия, молодого человека, которого так и тянет встать на преступную дорожку. Да не просто тянет, он на нее встает, и не раз.

В фильме есть стилизация под документальное расследование, включая интервью с персонажами, которые рассказывают о жизни Вергилия, и хронику его криминальной деятельности. И всё это в 1969 году, когда до придумывания слова «мокьюментари» еще пятнадцать лет.

Позднее, Вуди Аллен снял фильм «Зелиг», и тоже в комедийном псевдодокументальном жанре. Комедия про парня по фамилии Зелиг, у которого есть дар перевоплощаться, мимикрируя под тех людей, с которыми он общается: на политических сборищах он выступает с популистскими речами, на вечеринке темнокожих он тоже становится темнокожим и так далее.

С этим фильмом у Вуди Аллена тоже получился жанровый фальстарт – «Зелиг» вышел 1983, за пару лет до Роба Райнера и его «Спайнал Тапа».

И третий фильм, который близок к нашему жанру, это «Сладкий и гадкий» про музыканта Эммета Рэя. К жанру фильм близкий, но всё-таки не такой как два предыдущих фильма Аллена. «Сладкий и гадкий» тоже изобилует приёмами псевдодокументалистики, но самое интересное в нём, что хоть он и вышел в 1999 году, но тоже мог бы обойти «Это – Spinal Tap». Дело в том, что Вуди Аллен написал сценарий ещё в 1970 году, и этот фильм мог стать одним из первых в его творчестве.

Даже на примере этих трёх фильмов сложно переоценить вклад Вуди Аллена в мокьюментари. Может повезёт и он снимет что-то похожее на свои ранние картины.

Как-то принято считать, что очередную волну мокьюментари, запустил сериал «Офис», сначала британский, а потом и его американский ремейк.

Но уже после первого сезона американской версии «Офиса» вышел «Борат» скандальный фильм с Сашой Бароном Коэном.

Комедия про казахстанского журналиста Бората Сагдиева успела наделать шуму и ещё раз подчеркнуть многогранность жанра – мокьюментари может быть не только камерным, как тот же «Офис», или, например, более поздний его преемник – «Парки и зоны отдыха».

Ничего, что я сейчас сравниваю фильм и сериалы? Это для того, чтобы ещё раз напомнить, насколько этот жанр может выглядеть по-разному на экране.

Саша Барон Коэн использовал подчас шокирующие ситуации, чтобы подчеркнуть абсурдность стереотипов и некоторых жизненных явлений. То же самое, в какой-то степени делает и «Офис».

А в 2014 году выходит What We Do in the Shadows, или как у нас его перевели: «Реальные упыри». Ещё одно знаковое мокьюментари, которое, наоборот, уходит от реальности в фантастику – ещё одна сломанная стена для восприятия жанра.

Новозеландская комедия пользуется всеми преимуществами псевдодокументалки, чтобы подчеркнуть комедийность ситуаций: смотреть за вампирами живущими своей обычной жизнь, но через объектив реалити-шоу – жутко весело.

«Борат», What We Do in the Shadows и всё тот же «Офис» быстро завоевали популярность, и уже каждый получил какое-либо продолжение: в 2020 году вышел «Борат 2», «Реальные упыри» стали сериалом, а у «Офиса» целая тьма ремейков в самых разных странах – от Канады до Саудовской Аравии,.

У нас тоже есть своё мокьюментари. Начиная от уже заезженного «Горько» и «Реальных пацанов», и там, и там, дань мокьюментари отдавалась скорее в виде операторской работы, до «Миллионера из Балашихи», сериала, начинавшегося как реклама банка, но на фоне популярности, ставшего полноценным шоу.

Но давайте ещё ненадолго вернёмся в прошлое, чтобы вспомнить какие-то знаковые российские мокьюментари.

В 1991 году вышла программа-мистификация, которую сделали музыкант Сергей Курёхин и журналист Сергей Шолохов. Сюжет под названием «Ленин – гриб» показали в передаче «Пятое колесо» на Ленинградском телевидении.

История подавалась в виде интервью, которое Сергей Шолохов брал у Сергея Курёхина, и это была попытка высмеять «сакральный образ» Ленина, и одновременно сатира на псевдонаучные телепередачи.

Этот эфир стал очень популярным по той причине, что как раз тогда наступила так называемая эпоха гласности, когда многие вещи, которые до этого оставались секретными, начали открывать общественности. Плюс в 1991 году телевидение носило немного иной статус, чем сейчас, и то, что говорили по телевизору, практически моментально принималось на веру.

Так и с фильмом «Ленин – гриб» – многие восприняли его со всей серьезностью. Уверен, что и сейчас можно найти людей, которые не только помнят фразу «Ленин – гриб», но и считают также.

Были и другие примеры, но остановимся ещё только на одном – «Ноги — атавизм».

Короткометражка Михаила Местецкого про профессора, который пришёл к выводу, что главная проблема человека – это его ноги, и они человеку совершенно не нужны. Противостоит профессору в его измышлениях «Всероссийский обувной союз».

Но, пожалуй, мое любимое российское мокьюментари всё-таки «Миллионер из Балашихи». У него есть и условный прототип, далёкий, по существу, но тоже очень смешной – «Нэйтан спешит на выручку».

Это мокьюментари-сериал про парня по имени Нэйтан Филдер (это же имя и автора сериала и исполнителя главной роли), который помогает неуспешному бизнесу становиться прибыльным. Правда, обычно после его работы бизнес идёт ещё хуже.

И вообще стоит запомнить это имя. Нэйтан Филдер – главный экспериментатор на современном телевидении. Недавно у него выходило странное псевдодокументальное шоу «Репетиция», а в прошлом году ещё одно тонкое сатирическое мокьюментари с Эммой Стоун – «Проклятье».

Это далеко не полный перечень отличных мокьюментари. Думаю, вы ещё дополните его в комментариях.

Предыдущие тексты о кино:

Режиссеры с узнаваемым стилем
Актёры, которые сами выполняют трюки
Джеймс Клавелл. Откуда взялся «Сёгун»

Все эти материалы есть и в видео формате на нашем канале в ютубе.

(Если по скриншотам вам сложно понять о сем речь, можете посмотреть ютуб версию этого поста с видео примерами по ссылке)

Еще один яркий пример — фильм «Выживший». Камера сопровождает героя Ди Каприо через эпические сцены, создавая эффект присутствия.

Если в «Бердмане» и «Выжившем» мы фактически ни на минуту не оставляем главных героев, то в других картинах выделяется противоположная яркая особенность его стиля — нелинейное повествование и сложная структура сюжета. В фильме «Вавилон» сюжет разделен на несколько параллельных историй, связанных культурными и языковыми барьерами. А «21 грамм» показывает, как случайная трагедия объединяет незнакомцев и раскрывает их истории через прыжки во времени.

Все это позволяет Иньярриту исследовать, как одна мелочь может изменить целую цепочку событий и судьбы людей.

Ларс фон Триер

Какой странный фильм! Если у вас возникло такое ощущение, в половине случаев вы, скорее всего, включили очередной шедевр Ларса фон Триера.

Создатель движения «Догма 95», которое пропагандировало аскетизм в кинопроизводстве, многие свои картины снимал с использованием ручной камеры и естественного света. В «Догвилле» его эксперименты с формой дошли до того, что декорации и вовсе были, как в театре, нарисованы мелом на полу.

Добавьте сюда специфический выбор тем — вроде психических расстройств, сексуальной зависимости или жестокости. И все это будет показано с гиперреалистичной натуралистичностью, на грани с документалистикой.

От осознания того, что некоторые сюжеты отражают нестабильное эмоциональное состояние режиссера, и вовсе становится жутковато. Вы вряд ли увидите хэппи-энд или получите ответы на свои вопросы, потому что таков шокирующий, провокационный стиль Ларса фон Триера.

Даррен Аронофски

Рядом с ним в нашей подборке расположился еще один мастер тяжелого, но более философского кино — Даррен Аронофски. Его герои всегда одержимы: наркотиками, успехом, совершенством.

Зачастую прослеживаются библейские мотивы, но наиболее узнаваемые детали — это съемочные и монтажные приемы. Самый известный из них — клиповый монтаж, когда крупные планы очень быстро меняют друг друга, и все это сопровождается яркими аудиоакцентами.

Режиссер вообще крайне много внимания уделяет звуковому сопровождению фильма, помогая зрителю войти в необходимое состояние. Это касается как саунд-дизайна, так и фоновой музыки. Признанием его стараний можно считать невероятную популярность главной темы из «Реквиема по мечте».

Другая визитная карточка Аронофски — Snorricam. Это техническое устройство позволяет закрепить камеру на теле актера и зафиксировать в кадре его лицо, как бы погружаясь в его внутренний мир.

Аронофски вообще часто дает зрителю понаблюдать за героями под необычным углом. Еще один его излюбленный прием — «глаз бога», когда мы смотрим на героев с экстремально верхнего ракурса. Это создает ощущение уязвимости персонажей и предрешенности их судьбы.

Альфонсо Куарон

Если Иньярриту использует затяжные планы для слежения за главным героем, то его соотечественник Альфонсо Куарон, напротив, не привязывает взгляд камеры к кому-то из героев. Мы просто наблюдаем за пространством, в котором происходит некая жизнь. Длинные планы создают ощущение присутствия и не дают зрителю возможности оторваться от происходящего.

Время в его фильмах зачастую течет очень медленно, а герои разговаривают не красивыми репликами, а как обычные люди. Все это дает сильный эффект реальности происходящего.

Стоит отметить особенное внимание Куарона к цветокоррекции своих работ. Во многих случаях, лишь взглянув на тона, в которые окрашены первые кадры, вы можете предположить, какое эмоциональное настроение вас ожидает. Будь то холодный темно-синий космос с атмосферой изоляции и страха в «Гравитации» или чередование светлых и темных поворотов судьбы в «Роме».

Возможно, все эти приемы чуть менее заметны в фильме про Гарри Поттера, но в его более авторских работах вы можете насладиться ими в полной мере.

Хаяо Миядзаки

В мире, и особенно в Японии, производят сотни анимационных фильмов в год, но вы точно не спутаете картины Хаяо Миядзаки ни с одной другой. Они выделяются как визуальным оформлением, так и содержанием.

Каждый кадр в фильмах Миядзаки наполнен деталями, которые делают мир живым и реальным. Фоны рисуются с огромной любовью — от деревенских пейзажей до фантастических миров. Обычные вещи (еда, одежда, бытовые предметы) проработаны с исключительной точностью, чтобы зритель мог почувствовать атмосферу мира.

В его вселенных обычные люди сожительствуют с мифическими персонажами, которые быстро перестают быть для них чем-то удивительным. В основе фильмов часто лежат проблемы экологии и взаимодействия человека с природой.

Его картины всегда наполнены гуманизмом и добрым юмором. Даже антигерои никогда не бывают однозначными злодеями, всегда имея мотивацию, вызывающую сочувствие. А еще Миядзаки обожает изображать всевозможные сцены полета — вероятно, символизирующие свободу.

Квентин Тарантино

Нетипично длинные диалоги давно стали главной ассоциацией с фильмами Квентина Тарантино. Крайне подробные, иногда абсурдные разговоры — от обсуждения любимых бургеров до моральных дилемм — помогают лучше раскрыть персонажей и создают неповторимую атмосферу.

Также Тарантино часто любит разбивать свои фильмы на главы. Так он постепенно погружает зрителя во все необходимые контексты, плавно подводя к финалу.

Еще одна фишка, по которой легко узнать фильмы Тарантино, — особенный подход к сценам насилия. Массовые драки превращаются в хореографические спектакли, а отдельные убийства сопровождаются качественным черным юмором.

Кристофер Нолан

Ничего не понятно, но очень интересно. Эта мемная фраза как нельзя лучше описывает фильмы Кристофера Нолана. В частности, это выражается в том, что Нолан использует крайне сложные структуры повествования и особенно любит играть с пространством времени.

В «Помни» время идет задом наперед, в «Начале» несколько временных уровней существуют параллельно и идут с разной скоростью.

Примерно так же время работает в «Интерстелларе». Но про его фильмы мало что можно сказать наверняка. Они всегда оставляют пространство для различных интерпретаций, и открытые концовки, которые регулярно использует режиссер, не помогают найти ответы.

При этом главный создатель кино-головоломок наотрез отказывается пояснять свой изначальный замысел и в подвешенных вопросах видит ключевую ценность своих работ.

Гай Ричи

Гай Ричи выработал настолько узнаваемый стиль, что это фактически стало нарицательным выражением: «Сделаем это в стиле Гая Ричи».

Британская криминальная эстетика, маленькие закоулки, бандиты и подпольные заведения — вот основа вселенной, в которой создаются его комедийные боевики.

Но проще всего узнать его фильмы по динамичному монтажу, игре с замедлениями и ускорениями, и, конечно, знаменитым стоп-кадрам, которые знакомят нас с персонажами.

Тим Бертон

Одни из самых легко узнаваемых фильмов принадлежат Тиму Бертону. Потому что все они сняты в какой-то его собственной вселенной, сочетающей готику, сказочный мир и черный юмор.

Бертон обожает тёмные, мрачные миры с характерной готической архитектурой, где доминируют острые формы, загадочные тени и мрачные тона. Действие часто происходит в замках, на кладбищах, в тёмных лесах и необычных городских пейзажах.

В визуальной стилистике преобладают контрастные цвета: чёрный, белый, красный, сине-зелёные тона, а в декорациях — неестественные, вытянутые формы и углы, как в мультфильмах.

Отдельно стоит выделить внешность главных героев: бледная кожа, большие выразительные глаза и уникальные костюмы, часто в чёрно-белой цветовой гамме с яркими акцентами.

Его фильмы изображают мир, где сталкиваются странное и красивое, а аутсайдеры становятся главными героями. Бертон создал особую эстетическую нишу в кинематографе, черпая вдохновение из фильмов ужасов, комиксов и своего богатого воображения.

Уэс Андерсон

Работу Уэса Андерсона можно узнать, пожалуй, по любому кадру из любого фильма. Уэс Андерсон создал собственный уникальный стиль, основанный на симметрии кадра и насыщенных ярких цветовых палитрах.

Если другие режиссеры во многом придают цветовое настроение кадру при помощи света и последующей цветокоррекции, то Андерсон буквально окрашивает все окружение, героев и предметы в необходимую палитру. В результате получаются удивительные миры на грани реальности и сказки.

Кадры в фильмах Андерсона всегда идеально симметричны. Камера часто расположена по центру, а объекты и персонажи выстроены с математической точностью.

Он активно использует прямую перспективу, где линии декораций направляют взгляд зрителя к центру.

Камера всегда двигается предсказуемо и элегантно. При этом можно выделить несколько фирменных приемов: он любит долли-шоты, повороты на 90 или 180 градусов, а также замедления для акцентирования ключевых моментов.

Его стиль можно описать как «визуальную поэзию», где каждая деталь, от декораций до костюмов, продумана до мелочей, создавая ощущение кукольного театра.

В 1981 году выходит Donkey Kong, игра для аркадных автоматов, созданная Nintendo и геймдизайнером Сигэру Миямото. В этом, примитивным по современным меркам, но прорывным для восьмидесятых, платформере появился персонаж Jumpman, которого мы теперь знаем под именем Марио.

Причём изначально компания Nintendo планировала сделать игру про моряка Попая, но сделка по правам провалилась, зато так у нас появился знаменитый водопроводчик Марио.

И это сейчас гигантская мультимедийная франшиза, которая является самой продаваемой в истории видеоигр – она опережает Тетрис и серию про Покемонов, вдвое переплюнула по количеству продаж GTA и почти втрое превосходит футбольный конвейер от Electronic Arts.

На съёмки экранизации этой игры авторы получили бюджет в 48 миллионов долларов. Огромные деньги по тем временам, да и по нынешним приличная сумма.

Для сравнения, какие фильмы вышли в том же году:

«Парк юрского периода», который снял на тот момент уже маститый Стивен Спилберг – бюджет 63 миллиона долларов,

«Эйс Вентура: Розыск домашних животных» с первой по-настоящему большой ролью Джима Керри – 15 миллионов долларов,

«Путь Карлито», криминальная драма от Брайана Де Пальмы с Аль Пачино и Шоном Пенном, всего 30 миллионов долларов,

«Список Шиндлера» всё того же Спилберга и семью премиями «Оскар» - 22 миллиона.

А теперь давайте разбираться, как Братья Марио, стали первой экранизацией видеоигры, с бюджетом для настоящего блокбастера и отличными актёрами, а потом провалились и в прокате, и в оценке зрителей, а некоторые участники съёмок сами отреклись от этого фильма.

В 1990 году режиссёр Роланд Жоффе решил заняться кинопроизводством уже в качестве продюсера. К тому моменту он снял несколько хорошо принятых картин – «Поля смерти» про гражданскую войну в Камбодже и фильм «Миссия», историческую ленту с Робертом де Ниро.

Рассматривая варианты для начала своей карьеры продюсера, он подумал о игровой франшизе про братьев Марио, которая созрела для своей киноадаптации: огромная популярность, миллионы фанатов, крупная компания, которой будет выгодно поддержать фильм.

Роланд Жоффе отправляется в Японию на встречу с тогдашним главой Nintendo Хироси Ямаути.

Начало девяностых было очень хорошим временем для японской компании: в 89-м вышел Game Boy, портативная игровая консоль, которая сразу начала раскупаться, а вместе с ней и игра Super Mario Land, которая шла с покупкой геймбоя.

И вот Роланд Жоффе прилетает в Японию и предлагает компании всего 500 тысяч долларов, хотя многие другие более крупные студии хотели получить франшизу и предлагали более значительные суммы.

Но Жоффе удалось обойти остальных благодаря двум аспектам:

Жоффе обещал Nintendo не «милую историю», а фильм для более широкой аудитории, чем только дети. Как говорил он сам «сделать для Марио то, что Тим Бёртон сделал для Бэтмена».

И второй фактор, который помог завладеть правами – Nintendo получала все доходы от мерчендайзинга. Думаю, что это оказалось даже более важным, чем творческое видение, важность истории.

Права получили и начался подготовительный процесс: выбор сценария, режиссёра и актёрского состава.

Наверное, в этот момент всё и пошло наперекосяк, потому что началась настоящая чехарда: от выбора тех, кто будет писать сценарий до подбора режиссёра.

Вообще ещё до того, как Ролану Жоффе удалось договориться с Nintendo, к экранизации присматривался Дастин Хофман, который хотел и сам сыграть в фильме, но, как вы понимаете, дальше «присматривался» дело у него не зашло.

Со сценариями же был долгий и мучительный выбор:

Сначала свой вариант предложил Барри Морроу, обладатель «Оскара» за «Человека дождя», здесь мы будто возвращаемся к истории с Дастином Хофманом. По версии Морроу это должно было стать экзистенциальным дорожным приключением, где Марио был в роли мудрого старшего брата, а Луиджи – молодого и наивного ученика. От сценария так разило вайбами «Человека дождя», что он получил негласное название Drain Man. Поняли игру слов? Rain Man – человек дождя, Drain Man – человек-водосток.

Эту версию отвергли.

Следующим вариантом стала пара сценаристов Том С. Паркер и Джим Дженниуайн – в качестве истории они предложили яркую жевательную резинку, которая бы очень подходила самой игре, но и эта версия не понравилась Жоффе. Сценаристы через пару лет получат «Золотую малину» за фильм «Флинстоуны», поэтому может и к лучшему, что от их услуг тоже отказались.

На смену им пришли Паркер Беннет и Терри Рунте. Они плюс пара режиссёров Аннабел Дженкел и Рокки Мортон создали концепцию того фильма про братьев Марио, которую мы в итоге и получили. Или по крайней мере представили её изначальную идею, потому то потом всё пошло не так.

Режиссёрами стала супружеская пара Аннабел Дженкел и Рикки Мортон.

В 1988 году они сняли напряжённый триллер с Деннисом Куэйдом «Мертв по прибытии», но взяли их в семью Марио не из-за этого. А из-за нашумевшего шоу «Макса Хедрума» и CGI, с которым они работали.

CGI, то есть сгенерированное изображение при помощи компьютера, и именно таким представлялось в то время передовое шоу «Макс Хедрум».

Сам же Макс Хедрум был персонажем этого шоу, который выступал в роли журналиста, а его внешний вид и подача материала была гиперболой и сатирой на телеведущих того времени.

Но «Макс Хедрум» не был анимированным персонажем, хотя тогда это скрывали для удачной промо кампании. Его играл актёр Мэтт Фрюэр в гриме, контактных линзах и пластиковом жёстком костюме.  

Но эта пара режиссёров работала непосредственно и с CGI, они действительно были хороши в этом, хотя сама технология ещё был далёка от идеала. Дженкель и Мортон делали музыкальные клипы, снимали рекламу – среди их работ был и первый полностью сгенерированный с помощью CGI рекламный ролик. Они его сделали для шин Pirelli.

И на самом деле Дженкель и Мортон с их опытом делать такую мистерию, умеющие работать и с технологиями, и с подручными материалами, отлично подходили для экранизации Марио.

Режиссёры сами доработали сценарий, сделав акцент на взрослой аудитории. Они очень хотели заинтересовать родителей тех, кто играет в видеоигры.

И такой сценарий начал работать ещё до съёмок. Он сразу заинтересовал Фиону Шоу и Боба Хоскинса, которые уже были весомыми актерами, а потом к касту присоединилась Саманта Мэтис: «Мой агент сказал, что мне стоит взглянуть на этот сценарий, и что это будет фильм за 50 миллионов долларов, а для 1992 года это было невероятной суммой», — говорила Мэтис, играющая принцессу Дэйзи. «У сценария были проблемы, но подбор актеров был настолько впечатляющим, что, казалось, он поднимет материал на новый уровень».

У сценария были проблемы.

Кажется, это тот звоночек, который должен был быть услышан в самом начале, чтобы понять, что что-то идёт не так.

Но процесс производства уже набирал обороты, а актерский состав продолжал увеличиваться как состоявшимися актёрами, так и восходящими звёздами.

Но давайте сначала прикинем, кто мог сыграть в фильме, но этого не произошло:

В роли Марио – Дэнни ДеВито (если бы фильм снимал он же) – этому помешало расписание актёра.

В роли Луиджи – Том Хэнкс, но кассовые неудачи последних его фильмов отпугнули продюсеров «Супербратьев».

А роль Купы, главного злодея, предлагали Арнольду Шварценеггеру и Майклу Китону, но оба просто отказались.

Каким был каст в итоге:

Марио сыграл Боб Хоскинс. Он получил признание после фильма «Мона Лиза», за него он номинировался на «Оскар» и выиграл «Золотой глобус». Но ещё более важно, что в тот же год, он стал главным героем другого фильма, который ему принёс всемирную известность – «Кто подставил кролика Роджера».

Так что опыт по взаимодействию с ненастоящими персонажами у него был обширный, да ещё и типаж Хоскинса вполне подходил по Марио и особой подготовки было не нужно: «У меня правильная форма. У меня есть усы. Я работал учеником водопроводчика около трех недель и поджег ботинки этого водопроводчика паяльной лампой». Хоскинс был в деле.

С Луиджи всё было немного иначе. В тот момент Джон Легуизамо, который в итоге сыграл брата Марио, был подающим надежды стендап-комиком и актёром, и когда режиссёры пошли посмотреть его выступление в одном из клубов, то остались очень довольны.

Самому Легуизамо понравился прописанный в сценарии экшн, а про свою роль он говорил так: «Вы всегда видите много итальянцев, играющих латиноамериканцев, как Аль Пачино в «Лице со шрамом». Теперь наша очередь!».

Купой, главным злодеем, стал Деннис Хоппер. Особо его представлять не нужно: это и «Беспечный ездок», и «Американский друг», и «Апокалипсис сегодня», а через год после братьев Марио выйдет экшн триллер «Скорость», в котором он тоже сыграет ещё одного классического злодея.

Саманта Мэтис, сыгравшая принцессу Дейзи, как и Легуизамо попала в проект на старте своей актёрской карьеры. У нее за плечами были только рекламные ролики и пара фильмов, а в один год с «Марио» вышла картина «То, что называют любовью», где Мэтис сыграла главную роль и получила отличную прессу, но вот ее будущие проекты, включая эту экранизацию игры, не сделали ей карьеры настоящей звезды.

И Фиона Шоу в роли Лены, приспешницы Купы. Шоу была известной театральной актрисой с нечастыми, но крепкими работами в кино. Сейчас её, наверное, многие знают по франшизе Гарри Поттера, в которой она сыграл ту самую тётушку Гарри, Петунью Дурсль.

Спустя 20 лет после съёмок на вопрос: «Какое у вас осталось самое яркое воспоминание о работе над этим фильмом?» Рикки Мортон, один из режиссёров фильма, ответит: «Унижение».

Так как проходили эти съёмки, которые никто не хочет вспоминать?

За две недели до начала в руках режиссёров был сценарий, вдохновлённый «Безумным Максом», «Бегущим по лезвию» и Dinosaur Land из игры Super Mario World. Сценарий, который привлек Хоскинса, Хоппера и Шоу. Сценарий, который одобрили.

Но было решено, что две недели до старта работ – это отличное время, чтобы всё переписать. Студия начала волноваться, хотя до этого всё было хорошо, что история слишком уж отклонилась от семейного фильма.

Исправлять ситуация позвали Эда Соломона, автора «Невероятных приключений Билла и Теда», и он начал переписывать. Режиссёры были против такого расклада, но сделать ничего не могли, в какой-то момент им даже запретили разговаривать с Соломоном, чтобы не сбивать того с пути.

И сценарий продолжали переписывать даже по ходу съёмок, более того, его переписывали перед съёмкой конкретных сцен.

Был случай, во время съёмок сцены Купы, которая привела Денниса Хоппера в ярость. Он на протяжении часа высказывал всем, что режиссёры профаны и ему никогда не приходилось сниматься в таких непрофессиональных условиях. Всё потому, что его реплики опять переписали за несколько минут до того, как включить камеры.

Ругательства Хоппера прервались, когда наступило время обеда, и продолжились уже во время еды. Вся съемочная группа выслушивала о продюсерах и режиссёрах то, что иногда можно услышать о продюсерах и режиссёрах, но говорят об этом обычно немного тише.

В итоге, сцену сыграли так, как она была написана на тот момент.

Но переписывание сценария – это не только ломание истории, это и проблемы с сеттингом, проблемы работников над костюмами и декорациями.

Этих проблем тоже не удалось избежать.

Эд Соломон, который в итоге писал сценарий, говорил: «Я сделал все, что со сценарием всё, что мог и почувствовал, что он, по крайней мере, связный. В нем были связные персонажи и интересная история. Когда я приехал на съемки, то увидел, что Рокки Мортон нарезал его кучей других вещей, которые ему нравились из других черновиков, и кучей новых вещей — буквально порезал его на куски и склеил вместе. На съемочной площадке также было ощущение, что ничего не было определенно. Художники-постановщики и специалисты по спецэффектам не знали, что они создают, актеры приехали и не знали, что они играют.

Кстати, о самой площадке. Динохэттен, то есть другое измерение, в котором происходит большая часть действия, снимался на заброшенном цементном заводе в Уилмингтоне, штат Северная Каролина. И надо признать, что это была отличная находка, её сделал один из продюсеров, Фред Карузо. Завод подходил под большинство замыслов сценаристов и художников-постановщиков и даже сейчас можно оценить то, как этот выдуманный мир похож на футуристичный мир из «Бегущего по лезвию».

Но у этого сходства фильмов есть веская причина – художник Дэвид Снайдер был постановщиком и в культовом фильме Ридли Скотта. Снайдер радовался выбору места съемок и был доволен открывавшимися перед ним возможностями. И также сильно был разочарован тем, как много и быстро приходилось всё менять, когда сценарий в очередной раз подвергался редактуре.

Потрудился и главный по дизайну существ, художник Патрик Татопулос. Он знал, как параллельно идут съемки «Парка Юрского периода» и хотел сделать динозавров более милыми и мультяшными.

Работа его удалась, например, те же гумбы в первоначальной версии были лишь малозначительными персонажами, но увидев, как они смотрятся в живую, авторы решили увеличить их роль.

Визуальные эффекты и звуковые эффекты тоже были на уровне. Именно этот фильм стал тем моментом, когда CGI начал по-настоящему входить в кинематограф. Во время съемок было введено множество инноваций, которые запустили масштабный переход от практических съемок к цифровым визуальным эффектам. То есть в какой-то степени фильм выполнил ту роль, которую на него возлагали авторы – он стал новаторским, пусть только и с технической точки зрения.

И если на секунду представить, что не было того безобразия со сценарием и войной продюсеров, то «Супербратья Марио» очень многое привнесли в современный кинематограф, и не только в экранизациях игр.

Во время съемок было много ужасных моментов, которые испортили отношения на площадке. Через какое-то время большая часть группы невзлюбила пару режиссёров, называя их то Гидрой, потому что они отдавали разные противоречащие друг другу указания, то «Рокки и Аннабель, шоу белок-летяг», это отсылка к комедийному мультфильму «Шоу Рокки и Буллвинкля», в котором главными героями были белка-летяга Рокки и лось Буллвинкль.

А Хоскинсу и Легуизиамо было настолько скучно, что они пили виски между дублями. Это может и стало причиной, по которой Хоскинс сломал палец во время сцены с вождением.

На съёмки фильма дали десять недель, но вот время кончалось, с ним подходили к концу и деньги, а многое ещё не было снято. Режиссёров подгоняли, особенно дорогие моменты пришлось вырезать, а финальный монтаж делали вообще без режиссёров. Но это было уже в тот момент, когда стало понятно, что производство фильма вышло из-под контроля.

Спустя годы Боб Хоскинс называл «Супербратьев Марио» худшим фильмом, в котором он принимал участие, Легуизамо писал в автобиографии, что ненавидел этот фильм и жалеет, что снимался в нём, Хоппер называл фильм «кошмаром», а Саманта Мэтис просто говорила, что не гордится этой работой.

А 28 мая 1993 года фильм «Супербратья Марио» вышел в кино.

Это получилась история противостояния братьев-водопроводчиков и человекоподобных потомков динозавров из параллельного измерения и во главе с королём Купой. Братьям Марио нужно спасти принцессу Дейзи, которую схватили приспешники Купы. Но синопсис не охватывает всю причудливость сюжета.

И посыпались рецензии:

Los Angeles Times называл фильм дико несовершенным на одном уровне, и совершенным на другом. То есть ругали сценарий  и хвалили техническую составляющую.

The New York Times тоже хвалило спецэффекты и игру Хоскинса, но были не в восторге, что в фильме отсутствуют «бодрый дух игры».

The Washington Post восторгались актёрской игрой и дизайном существ.

Оценки на сайтах Rotten Tomatoes и Metacritic тоже были не выдающиеся, а общие сборы фильма составили 38 миллионов 912 тысяч 465 долларов. А бюджет напомню был 48 миллионов, причем обычно туда не закладываются расходы на маркетинг.

Можно ли фильм назвать провалом? Можно, но сейчас он приобретает совсем другой статус. До культового может ещё не дотягивает, но у него уже появилась своя и достаточно большая база фанатов.

Даже Квентин Тарантино поучаствовал в том, чтобы изменить восприятие фильма. Он устроил показ фильма в кинотеатре New Beverly Cinema. Показ посетили и Мортон с Дженкель: «Я думал, там будет 10 или 20 человек», — рассказал Мортон. «Но там было многолюдно. Вокруг квартала выстраивались люди, чтобы купить дополнительные билеты. Зрители смеялись и аплодировали во всех нужных местах. И они делали это не иронично; это было искренне».

Спустя же тридцать лет после выхода фильма можно сказать, что его приятно смотреть. Да, история хаотична, графика может показаться устаревшей, а как иначе, ведь прошло 30 лет? Но в фильме есть отличная актёрская игра и особый вайб, который несут старые фильмы, особенно те, которые открывали в кинематографе новые пути.

«Супербартья Марио» далёк от того, чтобы называться лучшей экранизацией видеоигры. Но он точно подходит под статус «первой экранизации». Это в какой-то мере видеоряд в поддержку самой серии игр, полный пасхалок и напоминаний о том, что можно самому стать Марио, стоит только включить Нинтендо.

Это странный фильм, в котором есть параллельно измерение, динозавры и их потомки и спасающие мир водопроводчики. Но это также и фильм, в котором два простых человека бросают вызов опасности ради любви.

Любопытно ещё и то, что фильм заканчивался намёком на продолжение истории, но как говорили авторы это была лишь своеобразная шутка, и никаких идей о втором фильме у них не было.

Да, если бы производственный процесс не превратился в ад, если бы не было переписываний сценария, если бы режиссёры и продюсеры лучше сотрудничали, то может быть мы получили бы совсем другой фильм, но как знать, может также мы бы лишились и вот этого неидеального, шершавого, но уже родного кино.

Это текстовая версия нашего видео про фильм «Супербратья Марио». Посмотреть полную видеоверсию можно на нашем канале в YouTube.