Всем привет! Наверняка все из нас слышали самые разные истории заговора по той или иной теме.
Для своей работы я собираю интересные конспирации, в которые люди на полном серьезе верят, и которые вы где-то слышали или видели.
Буду благодарен за помощь!
Во второй половине двадцатого века произошел огромный сдвиг в мире моды. После десятилетия, когда индустрия была почти полностью сосредоточена на модных домах Парижа и Милана, начиная с 1970-х годов начинает появляться волна прогрессивных авангардных дизайнеров из Токио.
По началу, собственная эстетика моды и новаторские подходы к созданию одежды этих дизайнеров были неоднозначно встречены модной публикой, но по ходу сезонов и выпусков коллекций мир был вынужден признать то, насколько они опередили свое время.
Скорее всего, вы сможете назвать двух дизайнеров, о которых идет речь, не задумываясь: Рей Кавакубо из COMME des GARÇONS и Йоджи Ямамото. Оба теперь считаются великими. Но был и третий, настолько же важный дизайнер, появившийся на модной сцене еще до Кавакубо и Ямамото, которого, несмотря на равный талант и оказанное влияние на моду, часто упускают из виду, когда говорят о наследии японского дизайна 70-х, 80-х и 90-х.
Этот дизайнер — Иссэй Миякэ.
Как и многие из его современников, Миякэ был одним из первых, кто вывел дизайн за пределы обычной одежды, которая соответствовала или подчеркивала человеческую форму. Вместо этого он нарушал и трансформировал ее до неузнаваемости.
Начало
Иссэй Миякэ родился 22 апреля 1938 года в Японии, Хиросима. Ему было 7 лет когда в 1945 году Военно-воздушные силы США сбросили атомную бомбу на город, что привело к окончанию Второй мировой войны. В результате полученных травм, Миякэ ходил с явно выраженной хромотой всю оставшуюся жизнь. От воздействия радиации его мать умерла всего лишь через 3 года после бомбардировки.
В 1964 году, после окончания Токийского университета искусств Тама по специальности «графический дизайн», Миякэ работал в Париже и Нью-Йорке (изначально работая в ателье Givenchy и Guy Laroche, уже позже в Geoffrey Beene), набивая руку в двух главных модных городах мира.
Тогда, он заметил большую разницу в создании одежды в Париже по сравнению с Японией. В Париже производители текстиля сами приходили в ателье, дабы продемонстрировать виды ткани, доступные на данный сезон, в то время как в Японии их протеже были гораздо более инновационными и не боялись экспериментировать. Именно это и вдохновило Миякэ вернуться в Японию и открыть там собственную дизайн-студию.
Дизайн-студия Миякэ
Студия Миякэ была основана в 1970 году и презентовала первую собственную коллекцию в 1971 в Нью-Йорке. Бренд начал лишь с женской линейки одежды, вдохновленной слиянем западного и японского стилей. Имя Миякэ быстро распространилось после того, как на данном показе одна из моделей сняла свою одежду прямо на подиуме, что сильно привлекло внимание прессы.
В следующую часть десятилетия Миякэ поднимался к вершинам. В 1973 году он перенес показы свой студии в Париж, в 1974 году он открыл первый флагман-стор в Токио, а уже через год в Париже. В 1976 году Миякэ приступил к созданию мужской линии одежды, позже выросшей в полноценную коллекцию в 1978.
«Единый кусок ткани»
Во время самых ранних экспериментов Мияки в моде он принял философию, которая будет лежать в основе его творческого процесса в последующие годы. Принцип «одного куска одежды», который завязан на отношении ткани и тела носителя. Все начинается с создания одной нити, и, опираясь на нее, создается вся вещь целиком.
Миякэ, работая как с самыми современными передовыми производителями текстиля, так и с мастерами традиционной одежды, создал не только новые ткани с использованием технологий современных, но и возродил технологии старые, и ввел их в современность. Его работа была настолько влиятельна, что в 1978 году была опубликована монография, названная как «ИССЭЙ МИЯКЭ — восток встречается с западом». Это была первая монография в истории, созданная при живом дизайнере.
Стив Джобс
Существует огромное количество мифов и легенд, витающих вокруг покойного главы и сооснователя компании Apple. Многие могут не знать и большей части из них, но все знают об уникальной униформе Джобса, состоящей из синих джинсов Levi's, серебрянных New Balance 992 и черной водолазки. История, стоящая за этим оутфитом, является историей о том «Стиве Джбосе», которого вы только можете себе представить, именно о том, кто придумал создать сенсорное колесо в ipod лишь из-за своей ненависти к кнопкам.
Предположительно, в какой-то день 80-х Стив Джобс услышал о решении тогдашнего председателя Sony Акио Мориты предоставить каждому сотруднику компании новую униформу, которая была создана героем нашей статьи. Джобс был вдохновлен данной идеей и загорелся сделать то же самое с работниками уже своей компании, а именно, Apple.
Идея не зашла, и это было неудивительно. Работники Apple, которые не боялись бахнуть ЛСД для вдохновения и подсаживали на это своих коллег, не разделяли концепцию упорной и коллективной работы в Sony, в следствии чего, Джобс сдался, но вместо этого попросил Миякэ сделать ему персональную униформу.
Иссэй сшил около 100 черных водолазок для Джобса, который носил их до самой смерти. Этот лук стал настолько уникальным и важным в культурном плане, что Джобс стал тем человеком, о котором сразу же вспоминают, когда говорят о работах японского дизайнера.
Pleats Please / Homme Plisse
В конце 80-х и начале 90-х Миякэ начал попытки в создании плиссированных вещей, которые не могут помяться. Кульминацей стало создание суббренда Pleats Please в 1993 году, посвященного исключительного созданию данного вида одежды. Данные вещи с зигзагообразными вертикальными складками спокойно поддавались машинной стирке и имели довольно высокий порог износостойкости. Данная работа считается одной из самых известных в карьере дизайнера.
Изначально одежда была создана исключительно для женщин, но после того, как Миякэ обнаружил, что около 10 процентов покупателей являлись мужчинами, было принято решение открыть вторую линейку под названием Homme Plisse, специализированную в создании тех же вещей для мужчин. До сих пор обе линейки существуют и продолжают, хоть и нерегулярно, выпускать все: от пиджаков и брюк, до футболок и джемперов.
Final Home
В моде достаточно известных имен, но ни одна работа не может быть создана дизайнером без своих сотрудников. Одним из самых ценных для Иссей Миякэ являлся дизайнер Косукэ Цумура, который начал работать с брендом в 1984 году. Уже в 1991, под руководством Миякэ, Цумура запустил свой собственный лейбл Final Home.
Вдохновленный архитектурой, сюрвивализмом и концепциями жизни в пост-апокалиптичном мире, Цумура создал Final Home, дабы изучить потенциал утилитарной одежды.
Например, ветровки, с карманами на замке в полную длину куртки, которые можно набить газетами или другим изолирующим материалов для защиты от холода (Цумура продемонстрировал ее действие самостоятельно, спя на улицах в 1993 году). Или другие вещи с определенными съемными элементами, которые можно «настраивать» под нужды владельца, вместе с этикеткой, на которой написаны адрес, пол, место жительства и другая жизненно важная информация о носителе данной вещи.
Также, как и Миякэ, работы Цумуры стирали грань между искусством и дизайном. Несколько раз он сотрудничал с муниципальными агенствами и музеями дизайна, выставлявшие его работы на выставках. Тогда бренд сильно обогнал свое время, когда впервые появился на подиуме в начале 90-х, и даже сейчас влияние Цумуры заметно в множестве работ современных дизайнеров. Final Home отделился от бренда Иссэй Миякэ в 1994 году, но учитель и дальше продолжал помогать своему ученику. Если вы когда либо пытались отыскать вещи Final Home из старых коллекций и добавить их к себе в архив, вы наверняка заметили множество совместных релизов в сотрудничестве с Миякэ.
Дальнейший дизайн и исследовательские работы
Начиная с 1994 года Миякэ начал отходить от работы в своем доме и переключился на изучение текстиля, дизайнерских практик и тканевых технологий. Работа над мужской и женской коллекциями была передана в руки Наоки Такизава, а после него перешла к Даи Фуйивара, когда в 2007 году Наоки открыл собственный бренд, действующий до сих пор.
Одна из важнейших вещей для понимания философии Миякэ заключается в том, что он сам никогда не называл себя дизайнером моды, а лишь просто дизайнером. Его исследования в моде и текстиле всегда были исследованиями именно дизайна, а не стиля. Прекращение работы над коллекциями дало ему больше пространства и времени для своей научной страсти в еще более широких областях, но это не значило, что он был далек от подиумов и модных показов…
A-POC
Опираясь на свое увлечение идеей «single piece of cloth», в 1999 году Мияке представил новый проект под названием A-POC - сокращение от «A Piece of Cloth». Используя компьютерные технологии, линия A-POC делает именно то, что предполагает ее название, создавая сложные, безупречные вещи из единой нити ткани
Одежда, выпускаемая в рамках проекта A-POC, выглядит эстетически красивой, но, возможно, не такой удобной для ежедневной носки .В результате эти вещи чаще встретишь в художественной галлерее или музее, чем в личном шкафу. В 2005 году одно из ранних произведений A-POC стало первым предметом одежды, который был внесен в постоянный архив Музея современного искусства в Нью-Йорке.
Однако нельзя сказать, что вклад A-POC ограничен миром искусства и модными журналами. Начиная с 2003 года, в основные линии одежды, такие как Pleats Please, было отобрано определенное количество изделий с использованием метода A-POC, получив название +A-POC.
BAO BAO
Наверняка, вы видели сумку-тоут Bao Bao. Неважно, кто вы, откуда вы, где вы выросли, вы точно видели её раньше.
Это та самая сумка с треугольным орнаментом.
Мияке запустил «Bao Bao Issey Miyake» в 2000 году в качестве новой подлинии, в которой он уделил внимание созданию аксессуаров, таких как сумки, чемоданы и кошельки. Первым творением линии стала сумка Bao Bao - простая сетчатая сумка, с орнаментом в виде треугольных панелей из ПВХ, которые постоянно меняют форму и размер в ходе пользования.
Как и большинство главных работ Мияки, идея этой сумки проста, но при этом она берет на себя не только функции и практичность обычной, классической сумки, но и превращает ее в живой, движущийся предмет искусства.
132 5. Issey Miyake
В MDS работает небольшая группа дизайнеров, известная как Reality Lab. В 2010 году Миякэ запустил «132 5. Issey Miyake», еще одну концептуальную линейку одежды более высокого уровня, которая доводит до крайности увлечение Иссэя геометрией и дизайном.
Название линейки 132 5. Issey Miyake на самом деле связано с простым математическом примером. И так, один (1) кусок ткани приобретает трехмерную (3) форму, когда превращается в одежду, которую можно сложить обратно в двумерную (2) форму . Тем самым - 3 + 1 + 1 = 5.
Таким образом ,Иссэй создавая трёхмерную одежду, которая при ношении и пользовании владельцем превращается в нечто, не имеющее конкретной формы, превосходит в своей идее пространство и время.
В сущности, ассортимент этой линейки одежды выглядит как плоская геометрическая форма, с одной стороны простая, а с другой — сложная. Эту тщательно продуманную вещь можно сочетать таким образом, что она способна превратиться в универсальный предмет одежды.
Дизайнерская работа вне индустрии
Как уже упоминалось выше, Мияке твердо реализовывал свой потенциал в области моды и графического дизайна на протяжении всей своей карьеры, а также в тех полях, где два этих аспекта пересекаются. В 2010 году он был объявлен заместителем директора первого в Японии музея дизайна 2121 Design Sight, а его собственный фонд названный в его честь осуществлял надзор за общей деятельностью музея.
В конце 80-х он сотрудничал со знаменитым фотографом Ирвином Пенном над книгой, посвящённой искусству фотографии, а в 1999 году журнал Time назвал его вместе с Далай-ламой и Мао Цзэдуном одним из самых влиятельных азиатских людей 20-го века. Он создал костюмы для Франкфуртского балета, а также разработал официальную форму Литвийской сборной для Олимпийских игр 1992 года. Он получил почетную докторскую степень в лондонском Королевском колледже искусств, а также Орден Почётного легиона от французского правительства.
В последние годы Мияке сосредоточил свои модные проекты на решении многих насущных социальных, культурных и экологических проблем современности. Многие из последних работ его бренда сделаны из переработанного пластика и экологически чистых технологий. Ко всему прочему, эти вещи были неубиваемы, поскольку он признавал, что в нынешнем поколении у многих есть привычка неаккуратного отношения к одежде. Так же он, осознавая, что наши традиционные представления о гендере разрушаются и переоцениваются в последние годы, перестроил большую долю своих работ в стиль «унисекс», что отлично решало проблему, с которой он столкнулся ещё со времён выпуска линии одежды для женщин «Pleats Please».
Что еще?
Вы можете просто ввести его имя в любой из поисковиков, и вы сразу увидите, что история Иссей Мияке - это история художественных выставок, дизайнерских презентаций, архитектурных и скульптурных проектов, образовательных инициатив, технологических прорывов и длинного списка его учеников, которые неразрывно связаны друг с другом.
Затем вы просто смотрите на одежду и удивляетесь тому, как годы экспериментов с тканями, компьютерами, термопрессами, древними методами изготовления бумаги, плетением из бамбука, геометрией, архитектурой и дюжиной других дисциплин были скомпонованы для того, чтобы создать такую удивительно простую вещь, как черная футболка, украшенная дюжиной маленьких складок.
В этом и есть Иссэй Миякэ.
Сегодня для всех интересующихся представляю краткий обзор самых интересных аспектов китайской культуры. Приятного чтения!
Кинематограф
В последнее время в китайском кинематографе активно набирает популярность жанр анимации. Всё больше и больше картин выпускается в «Поднебесной», но не все из них доходят до наших кинотеатров, поэтому сегодня мы хотим познакомить вас с одной из картин, которая всё-таки смогла достичь российских зрителей, – с картиной «По ту сторону океана».
«По ту сторону океана» (кит. 大海 – да хай; буквально «океан», «открытое море») – анимационная картина китайского режиссёра Лян Сюань, которая никого не оставит равнодушным. Фильм «По ту сторону океана» вышел в российской прокат в 2018 году и сразу же заработал себе репутацию картины, близкой по духу работам Миядзаки: таким его знаменитым произведениям, как «Ходячий замок» и «Унесённые призраками». Данное сравнение является частично верным. Действительно, в картине улавливаются всем знакомые ноты «японского мастера», но только с первого взгляда. «По ту сторону океана» пропитана духом китайской мифологии; режиссёру удалось отразить на экране насыщенный национальный колорит, оригинальные, пока ещё не знакомые образы, которые становятся тебе родными в ходе просмотра. Всё это позволило создать по-настоящему живой, красочный фильм, раскрывающий известные темы любви, жизни и смерти, судьбы и выбора, дружбы и самопожертвования.
«По ту сторону океана», как сейчас принято говорить, – must have для всех любителей полнометражных анимационных картин, тех, кто хочет познакомится с частичкой китайской культуры, и тех, кто просто собирается хорошо провести свободное время.
Живопись
Китайская традиционная живопись обозначается термином Гохуа (кит. 国画; буквально «живопись (нашей) страны»). Появившись в глубокой древности, китайская живопись с нашей точки зрения кажется довольно необычной и даже загадочной. Такое впечатление складывается из-за её разительных отличий от привычной нам европейской живописи, причём различия можно заметить буквально во всём, начиная от материалов, используемых для написания картин, заканчивая техникой нанесения краски и разновидностью инструментов. Китайская живопись – кладезь символизма и иносказания. Если картины европейских мастеров мы привыкли рассматривать, то работы китайских художников нужно читать и понимать, тем более что в Китае живопись и каллиграфия очень близки. В поднебесной любой художник – это каллиграф, а любой каллиграф – художник.
Среди отличительных черт китайской живописи ярко выделяется отсутствие форм, перспективы в привычном для нас понимании, не используется игра теней, краски кажутся не такими яркими и выразительными. Традиционная китайская живопись в основном монохромная, созданная с помощью линейного рисунка. Ещё одним интересным отличием от европейской живописи является то, что китайские мастера пишут свои картины без каких-либо предварительных эскизов.
К жанрам китайской живописи, в основном, относится пейзаж (гор и водоёмов), изображение цветов и птиц, портрет, а также анималистический жанр. Натюрморт в привычном для нас понимании отсутствует: с точки зрения китайской культуры неподвижные предметы оторваны от реальности и мертвы.
(«Весеннее утро в ханьском дворце», XVI в., Цю Ин)
Китайская живопись подразделяется на два стиля: Гунби и Се-и. Гунби (техника прилежной кисти) представляет собой реалистичную и высоко детализированную картину, наполненную мелкими деталями. Именно в этом стиле оформлялись все интерьеры дворцовых покоев императорских семей и знати.
Се-и (техника грубой кисти) – это стиль передачи идей и чувств автора, предполагает свободную манеру письма. В этом стиле господствует не внешнее сходство, а особое видение мастера, его душевное настроение и сущность объекта.
(«Две сосны и ровная даль», XIV в., Чжао Мэнфу)
После колоссальных изменений в политической системе Китая произошли глобальные изменения и в культурной жизни. Молодое поколение свободно мыслящих художников размыло границы классической живописи и создало что-то поистине новое. Произошло сближение с европейским миром искусства, что стало рычагом к новым свершениям китайской живописи нашего времени.
Литература
«Нет более быстрого пути к овладению знаниями, чем искренняя любовь к мудрому учителю».
«Искусство войны» за авторством Сунь-цзы – это философский трактат, включающий в себя тактики и стратегии боевых действий в реалиях Древнего Китая. Можно сказать, что это философский сборник рекомендаций к ведению победоносных войн, который остается актуальным и по сей день. Нынешние управленцы до сих пор используют принципы, изложенные Сунь-цзы еще в VI–V вв. до н. э.
Книга состоит из 13 глав о различных сферах военного дела, каждая из которых представлена рядом однозначных суждений с достаточно широкой степенью обобщения, что до сих пор позволяет нам крайне свободно истолковать тезисы в контекстных ситуациях карьеры, бизнеса и личной жизни. Конечно, с первого взгляда тезисы автора могут показаться циничными и лишёнными человечности, тем не менее, труд автора «пережил» его на две с половиной тысячи лет и остаётся актуальным: принципы противостояния, фокус на результат и внимание к предварительному планированию уместны не только в вооруженных конфликтах, но и в других областях. Карьера, бизнес, спорт – лишь некоторые сферы жизни, в которых вам поможет взгляд древнекитайского военачальника.
Национальные праздники
Праздник фонарей (кит.元宵节 – юаньсяоцзе) празднуется в 15-й день первого месяца по лунному календарю и знаменует собой окончание праздника весны, или Китайского Нового года. Данный национальный праздник не зря считается самым фееричным событием «Поднебесной»: он связан с именем Тянь-гуаня («чиновника небес»), который любит свет, красочные представления и огненные забавы. Сообразно названию, главной приметой фестиваля выступают уличные фонари всевозможных форм – от традиционных круглых светильников из бумаги до гигантских фигурных композиций, напоминающих светящиеся статуи. Украшенные подобной иллюминацией центральные улицы китайских городов становятся ареной многолюдных гуляний с фольклорной музыкой, представлениями танцоров, карнавальными процессиями и ослепительными фейерверками. К обязательным традициям Праздника фонарей относится торжественный семейный ужин, на котором подаётся суп со сладкими клецками и круглые пряники из рисовой муки – «юаньсяо»/«танъюань».
Среди всех регионов Китая, где проходят празднования, самые масштабные мероприятия приходятся на город Нанкин. Невероятная экспозиция с десятками крупных светящихся фигур располагается вокруг храма Конфуция и вдоль протекающего рядом канала Циньхуайхэ. Не менее интересную выставку фонарей в дни праздника организуют в городе Цзыгун в Центральном Китае. К событиям Праздника огней примыкает знаменитый снежно-ледовый фестиваль в Харбине – крупнейшая выставка такого рода в мире. Популярен Юаньсяоцзе и за пределами материкового Китая.
Национальная кухня
Юаньсяо (кит.元宵) – традиционная китайская закуска, которую готовят на Праздник фонарей. Представляет собой приготовленные из муки клейкого риса и воды шарики, сваренные в воде. Существует бесконечное множество вариаций рецепта юаньсяо: рисовые шарики бывают как с начинкой, так и без неё. Традиционно блюдо подается в прозрачном бульоне, если шарики с соленой начинкой, и в сиропе с имбирем, если начинка сладкая.
В древние времена юаньсяо обычно заполняли сахаром, сезамом, лепестками роз, грецкими орехами, пастой из красных соевых бобов или семян лотоса, подслащённой кожурой мандарина или сухофруктами. Можно было использовать начинку из одного или нескольких ингредиентов. В наши дни иногда используется солёная начинка из рубленого мяса, овощей или того и другого вместе. Несмотря на то, что технология приготовления юаньсяо отличается в зависимости от региона, юаньсяо, подаваемое в кругу семьи, является одним из важнейших атрибутов Праздника фонарей.
