Начиналось все с довольно далекого от современных комиксов творчества. В 16 веке в Валенсии и Барселоне стали набирать популярность картинки с подписями, иллюстрирующие библейские сюжеты. Продавались такие штуки хорошо и за пару веков разошлись из Испании по всей Европе.
Постепенно сюжеты, которые изображали на таких картинках, стали гораздо разнообразнее. Помимо библейских стали изображаться и различные светские сюжеты. Самым известным автором комиксов той эпохи был английский художник и иллюстратор Уильям Хогарт.
Он создавал целые серии картин и гравюр с подписями, которые критиковали различные пороки общества. Названия были говорящие «жизнь куртизанки», «модный брак» и подобные.
В таком простом виде комиксы, будем называть их так, просуществовали до начала 19 века. В это время набирали популярность газеты и другие печатные издания для широкой публики. Хорошо читать тогда умели далеко не все, поэтому издатели и авторы стали добавлять к текстам еще больше иллюстраций. Да и в целом, все мы любим картинки, если быть честным, так что изображений в газетах было очень много.
Из той эпохи до нас дошло больше имен. Британский карикатурист и живописец Томас Роулендсон, швейцарский художник Рудольф Тепфер и немецкий поэт, юморист и художник — Вильгельм Буш. Каждый из них стал известен по-своему, но объединяло их то, что они развивали жанр, который впоследствии стал комиксами.
Томас Роулендсон нарисовал иллюстрации к поэме Уильяма Комба «Путешествие доктора Синтаксиса в поисках живописного». Она издавалась в 1810-х годах в популярном «Поэтическом журнале» и имела большой успех. Настолько большой, что даже была выпущена отдельной книгой. Так, по сути, появился первый графический роман. Благодаря Роулендсону стало модным размещать в газетах и журналах серии карикатур.
Родольф Тепфер был художником одиночкой. Он рисовал юмористические истории про своих героев — амбициозного денди мистера Жабо, незадачливого отца месье Крепи и многих других, а к рисункам добавлял забавные подписи. Все свои работы Тепфер показывал друзьям и складывал в стол.
К счастью, среди его друзей оказался Иоганн Вольфганг фон Гете, тот самый автор «Фауста». Он убедил Тепфера опубликовать альбомы. Во Франции тогда как раз появилась технология массовой печати изображений, так что Тепфер согласился. Его работы сразу же разошлись большим тиражом. Самой популярной стала «История господина Вье-Буа», которая была опубликована в 1837 году, а после ее перевели на разные языки.
Ну а последний товарищ из этой троицы — Вильгельм Буш — прославился своим произведением «Макс и Мориц. История мальчиков в семи проделках». Эта история в стихах была опубликована 4 апреля 1865 года и рассказывала о приключениях двух пацанов. Все истории были проиллюстрированы.
Главное, что цепляло читателей, это чернуха. В истории было много довольно жестких сцен, а в конце Макса и Морица вообще перемололи между жерновов в мельнице.
Для своего времени такие произведения были новыми и свежими. В них сочетались красивые изображения, интересные и актуальные истории, а также юмор. В 1843 году рисунки, появившиеся в газетах и журналах, стали называться мультфильмами. Позже из-за того, что все рисованные истории были комическими, их переименовали в знакомые нам «комиксы».
Авторы комиксов в 19 веке имели очень много свободы для творчества. Тогда еще не было устоявшихся канонов и принципов жанра, так что каждый экспериментировал и пробовал воплощать свои идеи и сюжеты.
К концу 19 века комиксы дошли до США, и их стали выпускать в Новом Свете. Одним из первых американских комиксов стал «Желтый Малыш» Ричарда Ауткольта, выходивший в воскресном выпуске газеты New York World с 1895 года. Именно в этом комиксе впервые появилось «облачко» для отображения слов и мыслей персонажа. До этого реплики размещались прямо поверх кадра или под ним. Этот же комикс стал первым цветным. До него все изображения были черно-белыми.
Все это было, конечно, хорошо, но комиксы все еще не выросли в отдельный жанр. Их нельзя было купить отдельно, рисованные истории печатались в журналах и газетах как рубрика или дополнение к остальному контенту. Да, их печатали буквально в каждой газете, и у комиксов была своя аудитория, которая ждала именно их, но сидя на газетном развороте, в серьезную индустрию не вырастешь.
И вот в 1930-х годах в США стали появляться издания, посвященные исключительно комиксам. К тому моменту были уже устоявшиеся и узнаваемые герои и истории. «Спирит», «Бак Роджерс», «Флэш Гордон», «Приключения Тинтина» и другие тайтлы имели тысячи поклонников. Огромным спросом пользовались и газетные стрипы о приключениях Микки Мауса.
А в 1938 году вышел первый номер журнала Action Comics с Суперменом на обложке. Именно с этого момента начался Золотой век комиксов. Супермен стал одним из самых культовых героев комиксов всех времен, а сам жанр начал раскручиваться, становясь главным развлечением для детей и даже многих взрослых.
С 1938 года и до конца золотого века, который случился в 50-х было создано около 400 персонажей. Многие были плагиатом Супермена и не дожили до нашего времени. Но большинство самых известных и популярных до сих пор комиксовых персонажей, были придуманы именно в те времена.
Бэтмен, Чудо-Женщина, Капитан Америка, Зеленый Фонарь пользовались популярностью по обе стороны Атлантики. Супер-герои буквально захватили всю индустрию. При этом комиксы никогда не были чисто детским развлечением. Они всегда отражали реалии и настроения тех дней, имели в себе отсылки к актуальным событиям и рефлексию по ним.
Например, с началом Второй мировой войны буквально все супер-герои стали сражаться с нацистами на страницах комиксов. В основном это был идеологический заказ на дозу патриотизма, но все же и размышления авторов в этих историях тоже просматривались.
Комиксы быстро осваивали и другие жанры: детективы, мистику, любовные истории и даже хорроры. Про хоррор-комиксы мы рассказывали в отдельном выпуске. Их не слабо помотало по жизни, в одно время сюжеты в жанре ужасов почти задушили цензурой, но все-таки хоррор-комиксы выжили.
После Второй Мировой войны истории о супер-героях людям поднадоели. Пять лет на страницах комиксов происходило одно и то же — чуваки в полосатых штанах и крутых плащах побеждали нацистов и вообще всех плохих дядь и теть в мире. Когда такие сюжеты перестали быть актуальными, читателям захотелось чего-то более свежего.
Этим свежим стали другие жанры, в том числе хоррор, вестерн, научная фантастика, мистика, детектив и романтика. Правда жить им было нелегко. Цензура, про которую было сказано чуть раньше, затрагивала не только жанр ужасов, но и все остальные. Психиатр Фредерик Вертам решил, что все беды происходят из-за комиксов.
Дети становятся жестокими, начинают творить криминал и вообще ужос, как так можно, надо што-то делать! примерная цитата Ф. Вертама
В итоге в 1954 году был принят так называемый Кодекс Комиксов — свод правил, жестко определяющих, что можно, а что нельзя печатать на страницах комиксов. Под запрет попали хорроры, из фэнтэзи вырезали вампиров и оборотней, а из триллеров — сцены садизма и насилия. Критика властей и церкви также не допускалась, а сленг и разговорная лексика «подчищались» цензорами. На этом фоне в стране закрылось 18 издательств.
Успевшие полюбиться читателям жанры вдруг стали унылыми и пресными. Пришлось возвращаться к супергероике. Сюжеты о том, как любое преступление наказывается, а добро всегда побеждает зло, были идеологически правильными и отлично проходили цензуру.
В 50-х Супермен, Бэтмен и другие супер-герои изданий концерна National Comics стали все чаще появляться на обложках журналов, а потом и вовсе слились в одну вселенную. Позже ее переименовали в DC Universe.
А в 60-х на новой волне популярности супергероики стали появляться новые персонажи, но уже от Marvel. Человек-паук, Железный человек, Тор, Люди Икс, Халк, Доктор Стрэндж и другие известные и популярные персонажи вышли из-под пера гениального автора комиксов Стэна Ли.
Он сделал супер-героев более человечными, с непростыми характерами, а их отношения между собой — сложными и меняющимися. Вместе с тем в эти годы появляется огромное количество самиздата: комиксы без цензуры публикуются и распространяются подпольно, а их темами часто становятся бунтарские политические высказывания.
Популярность комиксов росла и в те же 60-е годы стали проводиться первые крупные мероприятия, посвященные только комиксам. Например, Комик-Кон был придуман и впервые проведен именно тогда.
В 1971 году в Кодекс комиксов внесли изменения, и требования цензуры стали слабее. На страницы комиксов стали возвращаться различные мистические сущности и сюжеты в жанре хоррор. Этот период называют бронзовым веком комиксов.
На ситуацию в индустрии накладывались и мировые политические реалии, а также социальные особенности США. В период Холодной войны комиксы, как и другие виды искусства и творчества отражали напряжение, страх и цинизм, присущие людям.
Именно тогда в идеальных и стерильных героях, которые раньше были исключительно правильными, стали показывать различные пороки и слабости человека. К примеру, в одном из выпусков Железный человек боролся со своим алкоголизмом.
А одним из самых важных моментов той эпохи в контексте комиксов считают то, что Человек-паук в 1973 году не смог спасти свою возлюбленную Гвен Стейси. Это был очень сильный ход для своего времени, ведь до этого супер-герои всегда побеждали, а теперь они перестали быть неуязвимыми и всесильными.
Также во время бронзового века стали делать много кроссоверов, в основном между Marvel и DC. Ну и в техническом плане комиксы сильно продвинулись вперед. Рисовка, качество бумаги и красок, которыми их печатали, выводили комиксы из статуса бульварного чтива для детишек в статус продукта, к которому подходят серьезно. Стали появляться специализированные магазины только для комиксов.
Наконец примерно к 90-м цензура настолько ослабла, что не оказывала почти никакого влияния на комиксы. Правила и требования уже не соблюдались, а затем и вовсе Кодекс комиксов был отменен. Во всей мировой культуре стали еще более актуальными темы раскрытия антигероев, серой морали, мрачные и жестокие сюжеты и всякое такое.
Некоторые второстепенные персонажи вроде Карателя выходят на первый план и получают свои собственные сюжеты. Раньше их нельзя было показывать из-за жестокости и неоднозначности, теперь границ не было.
Чем дальше, тем больше делали комиксов для совсем не детской аудитории. На страницах можно было найти сюжеты с пометкой 18+, где не стесняясь показывали и постельные сцены, и жестокие преступления, и ужасы со всеми их «взрослыми» особенностями.
Именно в США комиксы стали культовым продуктом и приобрели много характерных черт, которые мы легко узнаем и сейчас.
Американская школа комиксов: реалистичность картинки четкость характеров, арка превозмогающего героя
Американские комиксы были продуктом прежде всего для детей и подростков, это делало подход к ним особым. Главной отличительной чертой американских комиксов долгое время была жесткая типизация героев. Каждый персонаж был максимально однозначным и понятным.
Если это протагонист, то он абсолютно правильный, справедливый, честный, сильный, умный и т.д. Это отлично видно на примере одного из самых старых и самых культовых комиксовых персонажей — Супермена. На момент своего появления он был воплощением всех добродетелей, на которые ориентировалось американское общество. Через такого персонажа детям было очень удобно транслировать правильные ценности, да и родителям, которые будут покупать эти комиксы было понятно, что они своим детям дают.
Антигероев обычно наоборот делали полностью черными в плане морали. Никаких терзаний и сомнений, злодей просто хочет захватить мир или уничтожить его. Зачем? Почему? Не особо важно, главное, что он абсолютное зло, которое нужно остановить.
Корнями такая модель уходит в христианство, США — страна религиозная, по крайней мере во времена расцвета комиксов. А еще США это по началу была страна не самых грамотных и высококультурных людей, многие из которых не были приучены к чтению. Истории в картинках были им куда ближе и понятнее, поэтому мораль и ориентиры доносили через комиксы.
Чем дальше, тем больше разнообразных героев и сюжетов стало появляться в американских комиксах. Являясь отражением общества, комиксы поднимали важные в данный момент темы и проблемы. Но все-таки одной из главных и самых ходовых остается тема супергероев. Хотя этих персонажей и делают менее однозначными и более глубокими, типаж все равно остается популярным и востребованным.
Если говорить о визуальном исполнении, то одна из главных особенностей американских комиксов — красочность изображения. Упор делается на реалистичные цвета, которые больше отражают динамику сюжета, чем передают настроение сцены. Конечно, эмоции в этой стилистике не игнорируются: они достигаются балансом цвета и света и насыщенностью тех или иных оттенков.
Вообще американские авторы комиксов всегда стремились к правдоподобным изображениям. Пропорции тел персонажей, игра с ракурсом и перспективой — все должно быть визуально достоверным.
Даже фоны прорисовываются достаточно внимательно и детально, чтобы у читателя не возникало ощущения вторичности при взгляде на задник.
Нарративная составляющая американских комиксов тоже имеет свои узнаваемые черты. В первую очередь это то, что арки персонажей почти всегда строятся на перерождении героя в нового себя после прохождения через определенные события. Упор делают именно на то, что раньше герой был вот таким, потом он боролся со злом, терял близких, где-то проигрывал и разочаровывался, но в итоге победил и стал другим. Обычно лучше, чем был.
Европейские комиксы: серьезные произведения для взрослых людей
Но это все касается в первую очередь американского рынка и американского общества. Но комиксы ведь появились не в США, а в Европе, затем разошлись по всему миру, и каждая культура адаптировала этот жанр под себя. Хоть американская индустрия комиксов и является ведущей и самой главной, на комиксы из остальных стран тоже стоит посмотреть.
В Европе про комиксы никто не забывал. Например, в 1929 году появился первый выпуск «Приключений Тинтина» от бельгийского художника-самоучки Эрже. Комикс был переведен с оригинального французского на 50 языков и стал очень популярным как в Европе, так и в других странах.
К сожалению, Вторая мировая война заставила большинство европейских авторов и издателей прекратить свою работу. В то время, пока в США индустрия комиксов развивалась и набирала обороты, Европе было совсем не до этого. Зато после войны европейские авторы вернулись, продолжив нести в массы свою особую комиксовую культуру.
В чем особенность европейских комиксов? В первую очередь в культурном и историческом наследии. В Европе комиксы долгое время были частью газет и журналов, а это до появления радио и телевидения были единственные и самые престижные источники информации. Это сейчас газеты мы называем макулатурой и выбрасываем в мусорку, а тогда они были очень серьезной частью культуры и общества.
Будучи частью газет, комиксы стали их особенностью, они сочетали в себе важность и респектабельность СМИ и непринужденную, легкую манеру подачи. Это все сделало отношение к комиксам в Европе не таким, как в США.
Чаще всего европейские комиксы издавались в альбомном формате. А это значит жесткая обложка и довольно высокое качество бумаги и печати. Обычно в одном выпуске было 48 листов, на которых умещали полную историю.
В Европе комиксы после того, как стали отдельным жанром, обычно даже продавались не в киосках для прессы, а в книжных магазинах. Отношение к ним куда более серьезное, чем к желтушному чтиву на вечер или даже газетам.
Эта серьезность заключалась не только в форме, но и в содержании. Комиксы для детей в Европе, конечно, создавались, но все-таки жанр во многом ориентировался на взрослого и состоявшегося читателя. Это привело к развитию в Европе графических романов. С 1980-х годов графические романы становятся в Европе куда более популярными, чем простые комиксы.
Главные отличия графического романа от комиксов вытекают из того, на какую аудиторию он рассчитан. Во-первых, в графических романах часто рассказывают и показывают истории, которые не предназначены для детей. Не предназначены они как по содержанию, например, жесткие ужасы или что-то постельное, так и по натуралистичности — изображения не цензурятся, а наоборот детализировано показывают все.
Во-вторых, графический роман это объемное произведение. Иногда в роман объединяли комиксы, которые изначально выходили выпусками, но чаще всего это отдельное цельное произведение. Большая книга альбомного формата с длинной и проработанной историей — вот, что такое графический роман.
Вообще, в Европе есть несколько комикс-школ, имеющих отличия. Центром европейской комикс-культуры считается Франция, но достойные и самобытные авторы и тайтлы есть и в других странах.
Главной чертой всех европейских комиксов является очень тонкая работа над изображениями. В формате графического романа визуальный язык выходит на первый план. Изображения содержат в себе едва ли не больше информации, характеров, настроения и сюжета, чем реплики и другие текстовые вставки.
Если в США авторы комиксов это обычно наемные работники, которым нужно подготовить очередной еженедельный выпуск как можно скорее, то в Европе комиксы это по сути искусство со своими маэстро. Рисовать комиксы в Европе это почетный и очень серьезный труд, так что каждое произведение это не просто чтиво, это серьезная работа.
При этом текста в европейских графических романах очень много. Не просто так их называют романами, по сравнению с американскими комиксами, где часто может быть всего пара-тройка реплик на страницу, в Европе комиксы всегда были контентом для любителей читать. Графические романы читаются разворотами, на которых читателя ждет огромное количество как графической, так и текстовой информации.
Правда из этой картины сильно выделяется Британия. Там к комиксам всегда относились, как к бульварному чтиву для детишек, поэтому британские комиксы гораздо больше похожи на американские, чем на европейские романы.
За счет большей культурной ценности и опять же ориентации на взрослую аудиторию европейские комиксы часто затрагивают довольно острые социальные и политические темы. В принципе, социальная повестка и контекст есть в любых комиксах, но в европе пул возможных тем как-будто пошире.
В процессе поиска материалов для выпуска, мы нашли много рекомендаций разных графических романов от европейских авторов. Подборками с рекомендациями мы поделимся:
в нашей группе Вконтакте
и в Телеграме.
Манга: японский колорит и традиции + западный формат
Еще одним популярным видом комиксов, выросших на культурных особенностях, является манга. Манга это японские комиксы, и она очень сильно отличается от американской классики и европейских серьезных произведений.
В интернетах можно найти много упоминаний о том, что в Японии рисовали что-то, похожее на комиксы, еще в 12 веке. Буддийский монах Тоба Сёдзо нарисовал четыре свитка, называемых тёдзюгига – «веселые картинки из жизни животных», если перевести. Каждый свиток рассказывает историю, читать которую нужно справа-налево, как мангу. Самый большой свиток - целых 11 метров в длину - показывает быт японцев XII века, изображенных в виде животных. Свитки эти дошли до наших дней и хранятся в музеях Токио и Киото.
Позже, в середине XVII века, стали популярными два новых направления в искусстве – оцу-э и укиё-э. Оцу-э – народное творчество, картинки, чаще всего изображающие простые сатирические сюжеты с поясняющими подписями. Укиё-э это всем известные гравюры, на которых можно было увидеть чудовищ, борцов сумо, самураев или гейш. Со временем подобными картинками начали оформлять рассказы, называя их «эхон» – «книга картинок». А в 1798 году – впервые появился термин «манга».
Это все здорово, но та манга, которую мы знаем и видим сейчас, все-таки далека от оригиналов, появившихся в 18 веке и уж тем более раньше. Она приобрела свою форму после Второй мировой войны и оккупации Японии солдатами США. Американцы активно завозили свою культуру в послевоенную, разрушенную Японию, под воздействием их культуры и формировалась уникальная манга.
Она сочетала в себе азиатскую культуру со всеми ее особенностями и американскую тиражность, широту жанров, сеттингов, форматов и сюжетов. Пока в США Кодекс комиксов душил целые жанры и серии, в Японии клепали истории про огромных боевых роботов, девочек подростков, мистических созданий и вообще про все подряд.
Японцы в плане сюжетов, юмора и передачи всего этого всегда были своеобразными ребятами. А вот американская культура, выросшая из европейской, для нас куда ближе. В итоге странность японцев в сочетании с понятностью американцев сделала мангу с одной стороны особенной и не похожей на классические американские комиксы, а с другой вполне удобной для нашего типа мышления и восприятия.
Есть у манги и свои традиции, которые соблюдаются по сей день. Например, манга обычно черно-белая. Набирая популярность в послевоенные годы, когда Япония была разрушена, манга должна была быть дешевой. У издателей не было денег на большие тиражи красочных изданий, а у читателей не было денег на покупку этого добра. Сейчас этой проблемы уже нет, но черно-белая расцветка прижилась как традиция, так что мангу до сих пор печатают такой.
Также манга стала очередным воплощением корпоративной культуры японцев. Все ведь знают, что в Японии принято работать на одну компанию всю жизнь, а смена работы мягко говоря не приветствуется. С мангой та же история, смена автора просто невозможна, кто мангу начал, тот и должен над ней работать. Автор может либо закончить мангу, либо оставить ее незавершенной, но не передать кому-то.
Исторический и культурный контекст привели к тому, что в манге почти никогда не уделяют внимания фонам, а наоборот сосредотачиваются на персонажах. При этом чаще всего один кадр уделяют одному персонажу, чтобы с помощью специфического графического языка показать его характер, текущее настроение, мысли, эмоции и т.д. Ну, все же помнят эти специфические символы, означающие, что персонаж злится, грустит или радуется.
Особое внимание в манге уделяют глазам персонажа. По тому, как они нарисованы, читатель сразу может понять, что за герой перед ним, какие у него черты характера. Большие глаза означают простоту и невинность, узкие или просто маленькие глаза наоборот показывают, что персонаж скорее всего имеет не самые добрые намерения и характер. А если кого-то нарисовали в очках, то этот герой не так то прост, он скрывает в себе что-то, о чем с ходу не догадаешься.
Да и вообще для манги характерно изображать людей непропорционально. Даже если сюжет и сеттинг манги очень реалистичны, с помощью нарушения пропорций авторы показывают эмоции персонажей.
Еще одно различие заключается в расположении панелей на странице. Комиксы читаются слева направо, панели в них обычно квадратные и прямоугольные, располагаются по порядку, слева направо и сверху вниз. А вот манга читается справа налево из-за особенностей японской письменности.
Также в манге у некоторых панелей может не быть четких границ, а некоторые панели могут располагаться поверх других. Это делается для более простого перехода между различными панелями и способствует более быстрому «схватыванию» изображения.
Важные различия касаются и общего содержания сцен. Западная традиция тяготеет к сценам с несколькими героями, большему количеству «экшена». Японская же большее внимание уделяет персонажам по отдельности, их переживаниям, мыслям, внутреннему миру. Это позволяет достичь более глубокой проработки эмоций как на визуальном, так и на сюжетном уровне.
К слову о сюжетах — тут отличия от американских комиксов есть не только в визуальном плане. В противовес американским героям, которые должны пройти свою арку и измениться, японские авторы чаще всего наоборот делают акцент на неизменности персонажа. Герой так же проходит через различные трудности, но акцент расставляют не на то, как он изменится, а на то, не сломается ли он под давлением обстоятельств.
Конечно, сейчас в эпоху глобализации и тотального смешения культур эти традиции соблюдаются далеко не всегда. И надо сказать, иногда их нарушение приводит к куда лучшим результатам, чем соблюдение. Все-таки команда авторов сможет сделать мангу куда быстрее одного единственного мангаки, а цветная манга будет точно сочнее черно-белой.
Ну и нельзя не упомянуть про аниме, которое является естественным продолжение манги. Если до этого могло казаться, что в основном западная культура влияет на японское творчество, то аниме нанесло ответный удар. Сейчас оно активно захватывает все новую и новую аудиторию по всему миру.
Наверняка вам стало интересно, а что с комиксами у нас, на постсоветском пространстве? Кажется, что ничего, комиксы как будто исключительно западная и японская приколюха. На самом деле нет, у нас тоже есть, что показать, хотя конечно наших комиксов далеко не так много.
Про то, что из себя представляет индустрия комиксов в России и других странах бывшего СССР, мы расскажем в отдельном выпуске в нашем Бусти.
Комиксы как жанр прошли довольно большой и интересный путь. От маленьких картинок, печатавшихся в газетах для разбавки текстов, они дошли до одной из крупнейших развлекательных индустрий. При кажущейся простоте, которую кто-то даже может назвать примитивностью, комиксы вполне можно назвать видом искусства, ну или как минимум серьезным творчеством. Они не просто рассказывают истории и показывают картиночки, они так или иначе отражают общество с его желаниями, проблемами и стремлениями.
И отдельно удивляет то, как один и тот же жанр и формат может адаптироваться к разным культурам. Комиксы есть в США, Европе, Японии и других странах, но у каждого они свои.
А как вы относитесь к комиксам? Считаете ли их искусством или наоборот думаете, что картинки с подписями не заслуживают того успеха, который получили? Пишите свое мнение в комментариях.
